ENTRADAS TRASLADADAS

IMPORTANTE: El excesivo número de entradas, provocó un funcionamiento pobre del blog. Así que tuve que liberarlo de algunas de ellas y trasladarlas a otro blog (http://musicaenlaescuelafiesta2.blogspot.com/) , y en el nuevo ir incluyendo NUEVAS ENTRADAS: cpe2 Clásica para entusiasmar, c+p Canciones para los más peques, mdp Música de películas, cir2 Canciones infantiles remarcables, apd2 Algunos planteos didácticos 2.

Las TRASLADADAS son:
Exitos que perduran III (de 1972 a 1999) - Folklore de Latinoamérica I - Danzas del mundo I -
Sugerencias de expertos y 60 danzas anteriores . Folklore del mundo I - Salmos cantados modernos - Indice alfabético de títulos de todas las canciones - Indice alfabético por temas de todas las canciones.

sábado, 10 de diciembre de 2011

CLÁSICA PARA ENTUSIASMAR


    30 melodías en esta entrada y otras tántas en entradas anteriores, entusiasmantes por su musicalidad e interpretación, de música clásica occidental, generalmente de los siglos XVI al XIX. Sólo se salen de este período de 4 siglos, unas pocas interpretaciones espléndidas de grandes orquestas que muchos asimilan a la música clásica, alguna de ellas de nuestra América.

En agosto del 2015 revisamos esta entrada. Hubo que reemplazar los vínculos perimidos, añadir otros nuevos -especialmente partituras- y corregir defectos tipográficos.

Si van al INDICE ALFANUMÉRICO encontrarán melodías sólo para EVA (escuchar, valorar, apreciar). Otras también para tocar, al menos en parte. ¿Sólo 30 melodías “clásicas”? (bueno, 60 en total)Ya sé que una selección es siempre subjetiva, porque en una inmensa producción, elegir supone dejar de lado músicos y músicas que tendrían el mismo derecho. Nos hemos puesto un límite de número, pero también, cuáles podrían ser más motivantes para nuestros escolares de hoy, cosa nada fácil, cuando sus oídos están habituados a otros tipos de música y una extensión breve de las obras. Y como es normal que haya otras opiniones, aceptaré gustoso cualquier sugerencia.

¿Música clásica?

Aunque ya había introducido en entradas anteriores unas 30 melodías clásicas –ver el índice al final en Lista de melodías clásicas en otras entradas- las aportaciones de amigos y compinches y la importancia cultural y estética occidentales, son de tal calibre, que han conseguido un alcance universal y merecían una entrada específica. Vean, por ej. Esta interpretación de André Rieu y su orquesta: http://www.youtube.com/watch?v=fmxdGkl0oWg, donde todo el público en Maastrich tararea, se mueve y baila con La dona é mobile, Va pensiero, Toreador o los valses.

Hay quienes tienen un poco de aprensión con la música clásica. Es verdad que muchas veces es muy larga, que parece medio estirada y de cuello duro, que es propia de una cultura occidental. Se piensa que para entenderla y tocarla hay que estudiar años y años, antes de tocar una sola nota. Es verdad que hay quienes consideran que sólo la música clásica es MUSICA, que todo lo demás son bobadas, que obras, autores e intérpretes de esa música son sagrados, intocables.

Pero también es verdad que nuestros oídos están tupidos exclusivamente de cumbias, entre nosotros. Y que estamos ignorando melodías maravillosas, de una riqueza excepcional. Pienso que disfrutar de la música clásica no es un placer exclusivo de los mayores. Por eso queremos aportar la mejor música clásica para niños. En unas versiones muy atractivas, fuera de lo común. Y generalmente divertidas. Se trata de clásicos con sorpresa, música descriptiva gracias a la que escuchamos una máquina de escribir, unas ovejas o un gran estornudo instrumental. Una música estupenda para jugar con los niños a imaginar que somos moscardones volando, o gatos dialogando.Ahí va:



INDICE ALFANUMÉRICO  
de las canciones propias de esta entrada.

Señalamos, después de la referencia y el título de cada canción, el autor o intérprete, país, año de publicación. Si son fdt: fáciles de tocar, aft:algo fáciles de tocar, adt:algo difíciles de tocar, mdt: más difíciles de tocar, o eva: sólo para evaluar y valorar. También la edad para la que la consideramos adecuada. Lo sugerimos con abreviaturas: T todos, P pequeños, M medianos, G grandes. Y finalmente, el grupo donde la clasificamos.
Haciendo clic (YA AHORA PUEDE HACERLO) en el código de referencia de la melodía que nos interesa nos llevará directamente a sonidos, vínculos, datos... etc. de la misma.

  • cpe101a. ESCUCHANDO CON LA IMAGINACIÓN. M J Camino. España. 2011. Doc y Gr.
  • cpe101b. AUDICIÓN LENGUAJE MEMORIA. Pilar Camacho. España. 1999. Doc. Didác.
  • cpe102.1812, OBERTURA. Chaikovski. Rusia. 1880. EVA. G. Clásica. HªEuropa
  • cpe103. ADAGIO DE ALBINONI. Remo Giazzotto. Italia. 1945. Aft. G. Clásica. Instrum.
  • cpe104. ALELUYA, Häendel. Y VENEZUELA. Coro y Orq sinf infantil. Montalbán.
  • cpe104a. ALELUYA, Häendel. Alemania. 1741. Adt. G. Clás. Coral.
  • cpe104b. VENEZUELA. Herrero-Armenteros. España. 60s. Aft.Gr. Pop.
  • cpe105. ARIA EN SOL SUITE 3. Bach. Alemania. 1723. adt. G. Clásica. Instrum.
  • cpe106. ASTURIAS. Albéniz-J Williams. 1900?. España. EVA. G. Clásica. Instrum.
  • cpe107. CANON. Pachelbel. 1680. Alemania. Adt. G. Clásica. Canon.
  • cpe108. CANTATA 147-10. Bach. Alemania. 1723. Adt. G. Clásica. Instrum.
  • cpe109. CARMEN, TOREADOR y HABANERA. Bizet. Francia.1875. AdT. G. Ópera.
  • cpe110. CHORO Nº 1, guitarra. Heitor Villalobos. Brasil. 1920. EVA. G. Clásica. Instrum.
  • cpe111. CONCIERTO EN RE op35. Chaikovsky. Film Le concert. EVA. G. Clás. Instrum.
  • cpe112. DANZON n° 2. Márquez. México. EVA. G. Instrum. Orq Nac Simón Bolívar.
  • cpe113. EL CARNAVAL DE LOS ANIMALES. Saint Säens. Francia. 1886. Fdt. T?. Instrum.
  • cpe114. EL RELOJ SINCOPADO. Leroy Anderson. USA. 1945. EVA. T. Humor.
  • cpe115. EL MOLDAVA. Bedrich Smetana. Chequia. 1882. Aft. M/G. Instrum.
  • cpe116. EL VUELO DEL MOSCARDÓN. Rimsky Korsakoff. Rusia. 1900. EVA. T. Instrum.
  • cpe117. LA DANZA DE LAS HORAS. Ponchielli. Italia. Aft. M/G. Clás. Instrum.
  • cpe118. MALAMBO. Alb Ginastera. Argentina. 1941. eva. M/G. Folklore. Instrumental.
  • cpe119. MARCHA NUPCIAL. Wagner. Alemania. Aft. Clás. Instrum.
  • cpe120. MARCHA RADETZKY. Strauss padre. Austria. 1848. Aft. T. Instrum.
  • cpe121. MARCHA TRIUNFAL, Aida. Verdi. Italia. 1871. Aft. M/G. Instrum.
  • cpe122. MINUETO. Boccherini. Italia. 1775. Mdt. G. Clás.Instr.
  • cpe123. PEQUEÑA SERENATA NOCTURNA. Mozart. Austria. 1788. AfT. G. Instrum.
  • cpe124. POMPA Y CIRCUNSTANCIAS. Edward Elgar. Gr Bretaña. 1901. AfT. G. Instrum.
  • cpe125. PRELUDIO. Fern Sors y Yupanqui. Esp-Arg. 1800s. eva. M/G. Clás. Instrum.
  • cpe126. PRIMAVERA, 4 estac. Vivaldi. 1723. Italia. Eva. G. Clás. Instrum.
  • cpe127. RHAPSODY IN BLUES. George Gershwin. USA. 1924. Eva. G. folkUSA. Instrum.
  • cpe128. SINFONIA DE LOS JUGUETES. Leopoldo Mozart. ?, Aft. T. Clás. Instrum.
  • cpe129. SINFONIA DEL NUEVO MUNDO. 4º mov. Dvorak. 1893. Mdt. Clás. Instrum.
  • cpe130. TRISTE Nº 1 guitarra. Ed Fabini. 1903. Uruguay. Eva. Clás. Instrum.




    DATOS DE CADA UNA DE LAS

    COMPOSICIONES


cpe101a. ESCUCHANDO CON LA IMAGINACIÓN. M Jesús Camino. España. 2011. Docentes y Gr. Didáctica.


A la izquierda captura de pantalla de la página.

¿Cómo motivar a la gente joven a escuchar Música clásica, aunque sea muy bella, como la Danza macabra de Saint Säens, de 1.874? Para Escuchar Valorar, Apreciar, por los grandes de la escuela. Cuando, entre nosotros, tienen los oídos tapados para otra cosa que no sean las cumbias.
A través del grupo "Música maestros" ha llegado una propuesta muy inteligente, que entusiasmo mis 75 primaveras, como al parecer lo ha hecho con los muchachos del primer año de enseñanza secundaria en una población de Cantabria, en España. Cosa nada fácil para mover a escuchar algo que la muchachada no está habituada. Y no me parece nada difícil adecuar a otras edades, y a otras muchas piezas cortas y brillantes. Disfrútenlo entrando en el vínculo al final de su planteo.

Foto extraída de: raquelyjulie.blogspot.com

Escuchando con la imaginación” es el título de la nueva propuesta de clase para realizar audiciones activas. La actividad consiste en escuchar música pero de una manera diferente, imaginando cosas… El proceso que vamos a seguir para esta actividad es el siguiente: Primero escuchamos solo la música y anotaremos lo que nos dicen las indicaciones, después haremos una puesta en común de nuestras impresiones. El siguiente paso será ver el vídeo de la obra y comparar el significado real con lo que nosotros hemos imaginado. Por último comentaremos de qué obra se trata, quién es su autor y, si tenemos tiempo veremos alguna versión diferente de la obra. ¿¿Cuál será la Audición de hoy??… Misterio…

Esta actividad ha tenido hoy un gran éxito entre los alumnos de 1º de ESO Enseñanza secundaria obligatoria). Han imaginado, han escuchado con atención y han disfrutado de la música. El planteamiento “misterioso” de no saber qué escuchan ha sido motivador para ellos. Todos han tenido la oportunidad de explicar sus anotaciones y comentarlas. La sorpresa ha llegado al ver el vídeo original y comprobar como su intuición e imaginación musical y la intención del compositor con esta
“Danza Macabra” de Saint Säens, coincidía notablemente. Os recomiendo realizar este tipo de audiciones, cada vez con un objetivo diferente: imaginando personajes, lugares, dibujando, escribiendo una historia, gestualizando, etc. De momento ha tenido bastante éxito, pienso ampliarla a contar una historia, dibujar lo que sugiere la música, etc. El factor misterio les gusta y escuchan totalmente en silencio jejeje.. (21 octubre 2011, María Jesús Camino, en: http://www.educacontic.es/blog/escuchando-con-la-imaginacion-una-propuesta-de-audicion-creativa)
.

Al abrir la página, a la izquierda, hacer clic en los diferentes pasos: Propuesta, Audio y guión (Escucha 2 personajes, 2 lugares, 2 colores, 2 instrumentos musicales, Un título), Video, Otra y autor, Otras versiones
Posteriormente M Jesús publicó sugerencias sobre más obras en: http://www.mariajesusmusica.com/actividades-de-audicioacuten.html.

Una experiencia en el mismo sentido, también en secundaria, enfocada hacia la plástica, la tenemos en Uruguay. Muestra de ello, en: http://xavgom.blogspot.com/2007/10/representacin-visual-de-un-tema-musical.html

Videos:Espléndida versión instrumental de la Danza, por la Orquesta Juvenil de Venezuela, en: http://www.youtube.com/watch?v=FIrpp-inOpM. Otra danza macabra de Walt Disney http://www.youtube.com/watch?v=h03QBNVwX8Q. Y otra, nada que ver con la música clásica, pero bien interesante, del esqueleto bailarín: http://www.youtube.com/watch?v=eFVNDcmTkno. Muchás más en Youtube.

Más sobre Saint Saens, personaje bien interesante, en: http://es.wikipedia.org/wiki/Camille_Saint-Sa%C3%ABns. Para el contenido y guión musical de la Obra en: http://mariajesusmusica.wix.com/audicion1. Muy amplio y espléndido Análisis en: http://www.mediafire.com/?j3gynnyxenj.



cpe101b. AUDICIÓN LENGUAJE MEMORIA. Pilar Camacho. España. 1999. Docentes y G. Didáctica.

Hacer clic en texto completo en pdf dentro de: http://dialnet.unirioja.es/servlet/articulo?codigo=201043

Casi había concluido esta entrada cuando encontré en mis búsquedas este trabajo de Pilar Camacho, que me pareció francamente interesante, dentro de su ámbito. Invitando a asumirlo por parte de todos, yo le añadiría algo más de disfrute tocando, cantando, ritmando, bailando. Pero eso, depende de cada cual. Ahí van unos extractos del documento, sólo para que nos demos una idea del contenido y lo leamos todo:

¿Cuáles podemos considerar las grandes obras de la música clásica? ¿Las más escuchadas? ¿Las más vendidas? ¿Las que perduran en la memoria y en el tiempo? ¿Las que consideran los entendidos? ¡Las más innovadoras y creativas en su momento?
¿Por qué son más reconocidas? Por la publicidad, los medios, los audiovisuales? ¿el nombre del autor, la casualidad, el entorno familiar?
La realidad es que, por un motivo u otro, una mayoría de personas dice: ¡Me suena, me suena!...
A la pregunta ¿de quién es?, en lo musical es fácil oir respuestas de este tipo: La de aquel coche… (M Caballé y F Mercury). La del perfume… (Carmen, Bizat), la de la sopa (Danza de las horas), la de las letras del tesoro (9ª sinf. Beethoven), La del lavaplatos (Bolero de Ravel), la de Eurovisión (Te Deum, de Charpentier), La de las bodas … Ser recordado como marca de lavaplatos, colonias de Navidad, o marca de sopa, es culturalmente triste y musicalmente pobre….
El objetivo procedimental de la experiencia era conseguir que el alumnado fuera capaz de seleccionar esas músicas conocidas por todos, pero no identificadas, para reconocer autores y épocas a través de un elemento lúdico –El Concurso- y finalmente crear un producto audiovisual.


El objetivo actitudinal era conseguir que el alumnado fuera capaz de diferenciar funciones y papales adoptados por la mayoría de los MCS, y desarrollar un sentido crítico ante el consumismo en la sociedad.

Procedimientos:
1.Presentación y percepción del material de la publicidad
2.Reconocimiento audiovisual de las obras musicales
3.Selección de obras que tenían que ser conocidas, que sonasen. Había tanta variedad que, se determinaron finalmente cuatro grandes bloques musicales.
Obras que fueron consideradas y clasificadas como Grandes Obras Maestras (en La Rioja y hacia el 2000):(Entre ellas, las siguientes que ya habíamos elegido para esta entrada: Canon de Pachebel, Aleluya de Haendel, La primavera de Vivaldi, Minueto de Boccherini, Pequeña serenata nocturna de Mozart, 9ª sinfonía de Beethoven, Marcha Radetzky de Strauss, Marcha Nupcial de Wagner, Va pensiero de Verdi, Danza húngara 5 de Brahms, Danza de las horas de Ponchielli, Carmen de Bizet, Sinfonía del Nuevo Mundo de Dvorak, El vuelo del moscardón de Rimsky…)
4. Como recordar las obras. Estrategia metodológica. Fichas personales con datos, características, comentario y valoración personal.
5. Concurso musical al que le pusimos título. Por ej. Toma nota.
6. Que empiece el espectáculo
Conclusiones



Napoleón, la muerte, 
y la hecatombe del ejército imperial en Rusia.

cpe102. 1812, OBERTURA. Chaikovski. Rusia. 1880. EVA. G. Clásica. HªEuropa


Videos y audios: La interpretación vocal del grupo coral The Swingle Singers, sustituyendo los instrumentos mediante sus voces, causó un gran impacto: https://www.youtube.com/watch?v=1IWHEvkied4. Podría oirse comparándola con la composición original, interpretada por varias bandas militares japonesas -y 105 cañones- dirigidas por el Mayor SHIGA Tōru, el 17 de octubre de 2010 en Saitama, Japón: http://www.youtube.com/watch?v=I4MgZOpODYk&feature=iv&annotation_id= annotation_690025. O esta otra en mp3: http://www.goear.com/listen/0b1ab47/1812-overture-tchaikovsky

The Swingle Singers son un grupo vocal a capella formado en 1962 en París. Christiane Legrand, la hermana del compositor Michel Legrand, fue la soprano principal en aquel grupo. En 1973, el grupo francés original se disolvió y Ward Swingle se trasladó a Londres y volvió a formar el grupo con nuevos miembros. Desde el inicio del grupo de Londres, el coro nunca se ha disuelto, aunque con diferentes miembros.

Cañones, campanas, folklore ruso, himnos, la Marsellesa… todo en una composición rusa. ¿Por qué? ¿Qué pasó en 1812? ¿Tiene algo que ver con la guerra de 1812 entre Inglaterra y Estados Unidos, donde frecuentemente se interpreta, especialmente el 4 de julio, Día de su Independencia?
La composición aparece en los films siempre que hay algo importante, excitante, explosivo. Es arrogante, triunfante, agresiva. Y todos los que la hacemos nuestra pensamos que “nosotros, somos los buenos”.
Conocida popularmente como 1812, Obertura, el nombre oficial de la obra es algo más extenso: "El año 1812, Obertura Festiva para Conmemorar la Consagración de la Catedral de Cristo Salvador". Compuesta en 1880, se trata de una composición solicitada por su amigo Nicolás Rubinstein, encargado de organizar la música que acompañaría la Gran Exposición de Moscú, a celebrarse en 1882. La Catedral había sido erigida en conmemoración de la gran resistencia rusa que liquidó el enorme ejército invasor de Napoleón Bonaparte, en 1812.
A pesar de ser hoy uno de los trabajos más interpretados y reconocidos de Tchaikovski, el maestro no se reconocía en esta pieza y comentó: "es muy ruidosa y no tiene mérito artístico porque la escribí sin calidez ni cariño".
Sin embargo, su gran popularidad es innegable, debido precisamente al novedoso uso de artillería, cañones y campanas que acompañan un friso de diversos temas tomados del folklore ruso, a los que se suman el himno imperial ruso y La Marsellesa. La partitura exige un total de dieciséis disparos de cañón, y su final, apoteósico, añade a los cañones el vivo repique de campanas.

Diversos trozos han sido incorporados a una serie interminable de películas, algunas tan insospechadas como "Help", con The Beatles. (Interesante información sobre la obra, su instrumentación, estructura, argumento histórico, ejecución, etc. etc. la encontraremos en: http://es.wikipedia.org/wiki/Obertura_1812


cpe103. ADAGIO DE ALBINONI. Remo Giazzotto. Italia. 1945. Aft. G. Clásica. Instrum.


Primeros sonidos: mi re do si la la sol#, fa mi re do si si la, la sol la fa sol mi fa, sol fa sol mi fa re mi, fa mi fa re mi do re re mi fa mi. La si do’ si la sol# la sol, sol la sib la sol fa, re fa la mi do mi la re, re mi fa mi re do do re mi re do si, si do re do si la.
Descargar partitura fácil en la 1ª parte, en: http://fr.tapartoche.com/Partitions/Titres/adagio-cor-v0.php.

Videos: Impactante versión –sólo vocal- de Swingle Singers en: http://www.youtube.com/watch?v=hXmQGdLDfOg. Muy curiosa la animación de un artista ruso que se presta a dar rienda suelta a la imaginación, en: http://www.youtube.com/watch?v=gG-TL0S3sN8&feature=player_embedded#!. Montaje audiovisual en versión orquestal: http://www.youtube.com/watch?v=XMbvcp480Y4.

Me impactó cuando la conocí. Tiene todo el aire de la música del barroco. Surgió como una composición en Sol Menor para orquesta de cuerda y órgano, del gran compositor italiano Tomaso Albinoni, siglo XVII.

Albinoni atrajo la atención de Bach que era más joven que él, escribió dos fugas con temas de Albinoni, y frecuentemente usaba sus bajos para los trabajos de los alumnos. Luego hubo un bombardeo en Dresde durante la segunda guerra mundial y se destruyó la biblioteca de Dresde que era donde estaban las cosas de Albinoni guardadas y entonces apenas sabemos nada de su vida y de su obra.

Al principio se difundió que era parte de una Sonata a trio que se habría encontrado en las ruinas de la biblioteca de Dresde. Pero todos los expertos están de acuerdo en que quien la escribió fue un gran musicólogo italiano, especialmente conocido por su clasificación y catalogación de las obras de Albinoni, Remo Giazzotto, pero en 1945.

La obra tuvo un éxito inmediato, muy por encima de muchas otras obras clásicas famosas pero que no nos mueven ni nos identifican, a través de grupos y orquestas con todo tipo de instrumentos, de películas y anuncios, convirtiéndose en la prima donna en todos los Conservatorios y para todos los instrumentos. Hasta Sarah Brigthman y Camilo Sexto le pusieron letra... Al final resulta que Albinoni es más conocido por la única obra de su catálogo que jamás compuso

Leer más: http://www.audicionescomentadas.com/2010/12/el-adagio-de-albinoni. Sobre letras que le han sido aplicadas en español e inglés, y su uso en los medios, ver: http://es.wikipedia.org/wiki/Adagio_de_Albinoni.



cpe104. ALELUYA, Häendel. Y VENEZUELA. Coro y Orq sinf infantil. Montalbán.


La foto de José Antonio Abreu y los niños músicos es de: consulvenemontreal.org

Hay que verlos y oirlos. Claro que no es la mejor versión del mundo, pero ver esas caritas de niños y adolescentes tocando algo tan complejo, a uno se le aguan los ojos. Es demasiado percibir todo lo que hay detrás de esa versión. Video: http://www.youtube.com/watch?index=1&feature=PlayList&v=Y3NXfkLnUdY&list=PL7087964FAFF65D96.

“El Sistema”, como llaman a toda esa organización a la que pertenece la Orquesta infantil de Montalbán, ha puesto en marcha 120 orquestas juveniles, 60 orquestas infantiles, y cantidad de coros, con un número aproximado de 300.000 jóvenes. Su meta es usar la música para la protección de la niñez por medio de entrenamiento, rehabilitación y prevención del comportamiento criminal. El programa es conocido por rescatar a gente joven en circunstancias extremadamente empobrecidas del ambiente de abuso de drogas y el crimen al que de otra manera probablemente serían arrastrados. La organización incluye también talleres para niños y jóvenes, en los que aprenden a construir y reparar instrumentos y programas especiales para chicos con discapacidades o dificultades de aprendizaje, como el Coro de Manos Blancas, compuesto por niños sordos. La FESNOJIV presta asistencia técnica y organizativa a todas las escuelas públicas que solicitan su integración en el sistema musical y se apoya en las asociaciones de vecinos, de padres, ayuntamientos y representaciones institucionales para facilitarles los locales de ensayo o los instrumentos musicales necesarios.
Si quiere saber algo más escuche y lea las palabras de José Antonio Abreu al recibir el premio TED, Fundador del Sistema de Orquestas Juveniles de Venezuela: http://www.ted.com/index.php/talks/jose_abreu_on_kids_transformed_by_music.html.



cpe104a. ALELUYA, Häendel. Alemania. 1741. Adt. G. Clás. Coral.


Partitura en RE con las 4 voces. Se podría elegir algún pasaje de la voz cantante y transportar a DO: http://ia700406.us.archive.org/7/items/Cantorion_ sheet_music_collection/66eb438124d3f05b4 ebc20e4b6098baf.pdf.

Monumental la versión en mp3: goear.com/listen/63b445a/ aleluya-mesias-haendel. En video hay muchas otras.

George F. Haendel no fue predicador, teólogo o misionero. Fue músico. Quizás el músico cristiano protestante más grande de todos los tiempos. Su lugar figura y su obra trascendieron de tal manera, que su arte, en particular El Mesías ha pasado a ser patrimonio de la humanidad, más allá de la inspiración cristiana que llevó a la obra.

El Mesías HW 56 es su obra más conocida, que se arraiga en las antiguas Pasiones y cantatas alemanas. La obra la compuso en Londres, en 1741, en tres semanas. El Aleluya es impactante, triunfante: se oye mucho en las bodas, en cualquier acto importante y en EEUU se toca continuamente. Pero es algo mucho más profundo. También se oye mucho en Navidad. Pero no trata sólo del nacimiento de Jesús, sino de toda su vida. Inspirada en las profecías de Isaías, los Evangelios, la 1ª a los Corintios y el Apocalipsis .

Unos meses después de ser compuesta, la obra se estrenó en Irlanda, durante un viaje de Händel, pero el gran estreno no llegó hasta 1742, en el New Music Hall de Dublín para un concierto benéfico. El éxito fue tremendo. Siendo el pasaje más popular, con predominio del coro y las trompetas, el Aleluya, inspirado en el Apocalipsis.

La primera parte tiene por tema el Adviento y la Navidad.
La segunda parte, que empieza con el dolor y la tristeza de la Pasión, se llena de júbilo con el "Hallelujah" arropado por el coro, trompetas y timbales.
En la tercera, se relata la victoria de Cristo ante la muerte, el Juicio final y la palabra "Amen", que corona la obra. (Más datos en wikipedia. Sobre la vida, obras y esta obra en concreto de Häendel, incluyendo letra, aporta mucho http://www.poderygloria.com/musica-y-videos/el-aleluya-de-haendel/


cpe104b. VENEZUELA. Herrero-Armenteros. España. 60s. Aft.Gr. Pop.


Sonidos en SOL, Estribillo: si do’ re’ si re’ si mi’ re’ do’ si, sol la si mi’ do#’ la sol fa# sol la, mi fa# sol re la re si do’ re’ sol, re sol si la sol sol… 1ª parte: re sol sol la sol la si la sol re… Partitura con acordes: http://seminario-arreglos-2012mayo.wikispaces.com/file/view/Venezuela +%5Bmandolina%5D.pdf. Videos: Impresionante la versión de la Orquesta Infantil de Caracas: youtube.com/watch?v=jgo-zLOxVVs&feature=relatedPartitura en DO en imágenes de Google, con 8 compases de introducción. Y emocionante la versión cantada, en el centro de la ciudad de Maracaibo. En: https://www.youtube.com/watch?v=N0tjGG84Dww.
Foto del Salto del Angel en el Parque Nacional Canaima.

No sabía de qué composición se trataba. En el video (http://www.youtube.com/watch?v=jgo-zLOxVVs&feature=related) no decía nada. La melodía me sonaba a clásica y me gustaba un montón, además de que era bastante fácil de tocar. Pedí a los amigos ayuda para mi “cabezota”, y Tibaide Ayala, de Música Maestros, me respondió: La canción es VENEZUELA con letra de Pablo Herrero y José Luis Armenteros. De verdad es una preciosidad de mi hermosa Venezuela, espero haber iluminado tu cabezota!!!.

A partir de ahí pude buscar otros datos, otras versiones, la letra. Que no hace falta ser de Venezuela para dedicarle una canción: Agustín Lara era mejicano nunca había visto Granada y compuso un tema inmortal. Que Pablo y José Luis, procedentes del mítico grupo “los Relámpagos”, han sido quizá los autores más importantes y prolíficos del pop español. Aparte de la mayoría de los temas de Fórmula V, ahí están sus canciones como “Libre”, “Un beso y una flor”, “América”, “Libertad sin Ira”, “Como una ola” y artistas como Francisco, Juan Bau, Nino Bravo, Miguel Ríos, Basilio, Jarcha, para quienes compusieron. También escribieron varios temas del grupo APACHE que sigue actualmente en activo y el grupo POP-ROCK del momento en España.

Letra:
Llevo tu luz y tu aroma en mi piel - y el cuatro en mi corazón
llevo en mi sangre la espuma del mar - y tu Horizonte en mis ojos…
No envidio el vuelo ni el nido al turpial - soy como el viento en la mies
siento el Caribe como una mujer - soy así, qué voy a hacer…
Soy desierto, selva, nieve y volcán - y al andar dejo mi estela
el rumor del llano en una canción - que me desvela…
La mujer que quiero tiene que ser - corazón, fuego y espuela
con la piel tostada como una flor - de Venezuela…
Con tu paisaje y mis sueños me iré - por esos mundos de Dios
y tus recuerdos al atardecer - me harán más corto el camino…
Entre tus playas quedó mi niñez - tendida al viento y al sol
y esa nostalgia que sube a mi voz - sin querer se hizo canción…
De los montes quiero la inmensidad - y del río la acuarela
y de ti los hijos que sembrarán - nuevas estrellas…
Y si un día tengo que naufragar - y el tifón rompe mis velas
enterrad mi cuerpo cerca del mar - en Venezuela …..


cpe105. ARIA EN SOL SUITE 3. Bach. Alemania. 1723. adt. G. Clásica. Instrum.


Primeros sonidos: mi, la fa re do si do si la sol, sol mi sib la re do# sol fa fa, re la sol do si fa mi, mi fa# sol do, do re mi re re do si la la si do si la solPartitura en RE http://ia600406.us.archive.org/7/items/Cantorion_ sheet_music_collection/6befcbcd0960dad 7113d9764f1fbcb32.pdf. Video en flauta dulce con los sonidos en letras, de don Lu musical: youtube.com/watch?v=796AlVv8LeQ.

Videos: Dos amigas maestras, una de Montevideo y otra de mi ciudad, me enviaron el vínculo de la interpretación de Les Luthiers, en "Bolarmonio", instrumento que ganó el primer premio en el concurso de Instrumentos Informales realizado por Les Luthiers para celebrar sus 40 años de actuación. Es un instrumento de viento, en forma de gran candelabro con 18 brazos, en cada uno de los extremos tiene pelotas de vóley y alcanza una escala y media (No es para tanto: la XO alcanza dos escalas). Cada pelota tiene dos válvulas que regulan la transferencia de aire hacia la lengüeta. En la parte baja del instrumento hay tres pelotas grandes que son reservorios opcionales de aire para las 18 pelotas chicas. Si se mueve cada pelota se obtiene el efecto "vibrato" y apretándola en mayor o menor grado se regula el volúmen de sonido. Se percibe perfectamente en su versión del Aria en SOL de Bach: http://www.youtube.com/watch?v=GKthksRjWDo. Desopilante su interpretación en el mismo instrumento de la composición jazzística “Rapsodia en pelotas” –aquí no resulta lo de "piensa mal y acertarás"- https://www.youtube.com/watch?v=Wtbuo2cDLYY
Volviendo al Aria en SOL, muy buena la versión de Bobby Mc Ferrin con orquesta, en: http://www.youtube.com/watch?v=slUW5IBVo_8. Ver y oir igualmente el audiovisual con la interpretación imperdible de la Sinfónica de Berlín dirigida por Herbert von Karajan: http://www.youtube.com/watch?v=L6WZmsDtyYo. Una versión interesante de otra obra de Bach, el 2° Concierto de Brandemburgo, con la Orquesta Barroca de CFriburgo es: https://www.youtube.com/watch?v=3HSRIDtwsfM.

En 1750, el mismo año de su muerte, una eminencia médica de origen inglés, de paso por Leipzig, recomendó a Bach operarse de la vista pues si no lo hacía se podía quedar ciego. Johann Sebastian, reticente al principio, finalmente accedió a someterse a una intervención quirúrgica a cargo de la eminencia médica, pero la operación no tuvo los resultados esperados, por lo que la eminencia sugirió una segunda intervención. Esta vez, el padre de la música occidental quedó ciego completamente.
Afortunadamente, a esa altura, Bach ya había producido casi la totalidad de sus 1087 composiciones, según el catálogo Bach (BWV: Bach Werke Verzainichs), habiendo abordado en ellas prácticamente todas las formas musicales con excepción de la ópera.
A pesar de todo, hacia el final de su vida su música no coincidía con los gustos de la época, y durante casi ochenta años su obra cayó en el olvido. Gracias a Mendelssohn (1809-1847) renació el interés por la música de Bach, tras una audición de la “Pasión según San Mateo” que aquél preparó en 1829…. En el siglo XX, las investigaciones del médico y musicólogo Albert Schweitzer, permitieron establecer principios interpretativos de la música de Bach más acordes al estilo de su época.
Bach fue un músico excepcional que, que se dejó influir por otros músicos y que influyó en todos los grandes posteriores: Mozart, Beethoven… Bach fue capaz de comprender y emplear cualquier forma y recurso musical del Barroco. Combinó esquemas rítmicos de origen flamenco, francés, italiano, inglés. Y llevó a la cima el arte del contrapunto alemán. Si estudiaba las líneas melódicas de cualquier composición polifónica ajena, por compleja que fuera, Bach podía transcribirla con maestría para un solo instrumento. Pero su importancia no sólo radicó en sus dotes técnicas, sino en la calidad de la música que compuso, en especial en el profundo sentimiento espiritual que transmiten sus obras corales.

Las Suites para Orquesta de Johann Sebastian Bach son colecciones de cinco a siete composiciones breves. Una de las más conocidas es la Suite nº 3 BWV 1068. Una sucesión de danzas de la época con nombres franceses: allemande, courante, bourrée, sarabande y otras…, estructura que estuvo muy de moda en los siglos XVI y XVII, a causa de la influencia de la corte francesa. La plantilla instrumental está formada por cuerdas, clave, dos oboes, tres trompetas y timbales. El clavecinista era el líder de la orquesta y normalmente los otros instrumentistas se agrupaban a su alrededor.

El segundo movimiento de la Suite BWV 1068 es un aria. Como su análoga lírica, el aria de una suite es siempre melodiosa. Ésta contiene algunos de los más bellos compases que escribiera Bach. Puede decirse que esta es "el" aria. Que se ha hecho aún más popular que la suite completa. (Informaciones extraídas de varias páginas de internet, especialmente de http://labellezadeescuchar.blogspot.com/2010/10/js-bach-y-el-aria-en-sol.html, y de http://aam.blogcindario.com/2007/08/00604-j-s-bach-suite-orquestal-no-3-en-re-mayor-bwv-1068.html


cpe106. ASTURIAS. Albéniz-J Williams. 1900?. España. EVA. G. Clásica. Instrum.


Interpretada en guitarra por John Williams. http://www.youtube.com/watch?v=oEfFbuT3I6A&feature=related. En piano y orquesta por Ensemble –premiere mundial- en: http://www.youtube.com/watch?v=dtJ2VJS-r5E&feature=related. Escuchar mp3, en guitarra: goear.com/listen/aa6ee0a/asturias-albeniz. Puede dar mucho fruto la comparación entre las diferentes interpretaciones.

La Suite española Op. 47 (no confundir con la Suite Iberia) del compositor español Isaac Albéniz está formada principalmente por obras escritas en 1886… Como muchas de las obras para piano de Albéniz, son cuadros de diferentes regiones y músicas de España, que se inscriben dentro de la corriente nacionalista relacionada con el Romanticismo. Albéniz estaba entonces bajo el influjo de Felipe Pedrell, quien lo apartó de la música de salón estética europeística y lo atrajo hacia el nacionalismo, en este caso español. Pero, por otro lado, el suyo es un nacionalismo pasado por el tamiz del refinamiento y la estilización.
Asturias, se publicó con los demás títulos de la Suite española en 1912, después de la muerte de Albéniz… De todas formas es seguramente la más conocida de todas las piezas de esta Suite. El autor la subtituló Leyenda. Pese a su adscripción a la región cantábrica, evoca una soleá, de hondo sabor andaluz, con una copla de sabor también andaluz. Con el tiempo se ha convertido en una de las obras de Albéniz más interpretadas y conocidas tanto por los pianistas como por el público. (Extraído de http://es.wikipedia.org/wiki/Suite_espa%C3%B1ola_Op._47_%28Alb%C3%A9niz%29, donde hay más datos).

Sobre el autor se leerá con provecho “A 100 años de Albéniz. Aniversario del músico que retrató España al piano”. Publicado el 15/05/2009. Alberto Ruiz-Gallardón, alcalde de Madrid y sobrino-nieto del compositor, y Tomás Marco, musicólogo, académico y premio Nacional de Música, hacen balance de la vida y la obra de un creador que no sólo destacó al piano, sino que dejó tras de sí un importante legado operístico. En: http://www.elcultural.es/version_papel/ESCENARIOS/25281/A_100_anos_de_Albeniz_Aniversario_del_musico_que_retrato_Espana_al_piano. Más detalles en http://es.wikipedia.org/wiki/Isaac_Alb%C3%A9niz.


cpe107. CANON. Pachelbel. 1680. Alemania. Adt. G. Clásica. Canon.


La imagen es de musicroom.com

Sonidos en SOL. Comienza con el ostinato –instrumento grave-que sigue siempre -29 veces-: sol re mi si do sol do re. -Y sigue- si la sol fa# mi re mi fa# sol fa# mi re. Mi sol si sol do’ si la sol si re’ do’ si sol si la, sol mi sol re’ do’ mi’ re’ do’ si sol la fa, sol si re’ re’ mi’ do’ re’ si sol sol sol fa#... Importante para poder tocarlo –viendo cómo se introduce cada fragmento y el papel de un ostinato, leer http://es.wikipedia.org/wiki/Canon_en_re_mayor_de_Pachelbel, muy claro aunque se refiera a la tonalidad de RE, mientras la propuesta del vix, lo hace en SOL, más sencillo y asequible para los que se inician.
Partitura y 2 audios en su misma tesitura, para poder tocar con un instrumento: http://www.wix.com/musicaade/canon-pachelbel. partitura en RE: a 2 voces https://www.youtube.com/watch?v=IwoUUVKfBoI. La partitura más sencilla, pero que no incluye una introducción, descargarla del VIX de Adelaida.
Los acordes para acompañar siguen el ostinato: SOL RE mi si DO SOL DO RE.
Escuchar en mp3: http://www.goear.com/listen/17a9bc5/canon-de-pachelbel-pachelbel.

El Canon es la obra más conocida en la actualidad del compositor alemán de música barroca, Johann Pachelbel. Escribió esta obra alrededor de 1680. Posteriormente se han realizado arreglos para una gran variedad de instrumentos y conjuntos. El Canon es muy conocido por la progresión armónica de los instrumentos de cuerda, que lo han convertido en una de las piezas más reutilizadas en la música contemporánea. Suele incluirse en compilaciones musicales con otras piezas de la época barroca, como hemos hecho en esta entrada, junto con el Adagio de Albinoni, y el Aria de Johann Sebastian Bach.


La cantata de Bach 
en un larguísimo xilófono en bosque del Japón.

cpe108. CANTATA 147-10. Bach. Alemania. 1723. Adt. G. Clásica. Instrum .


Sonidos: Si alguien se atreve, no sería muy difícil, después de escucharla y conversar sobre ella, incitar a tocar a los alumnos sólo la voz soprano del coro. Se podría acompañar con una preciosa interpretación del vídeo que canta Sisel Kyrkjebo, coro y orquesta, en: http://www.youtube.com/watch?v=8i3GqyPgxgI&feature=related. Esta versión es en FA –con todos los sib-. Pero como la partitura que hemos encontrado es en SOL, tendríamos que bajar los sonidos así: (8 compases en silencio)la sib do do sib la sol sol, (1 en silencio) la sib do la sol la sib la sol fa, (6) la sib do’ do’ sib la sol sol, (1) la sib do’ la sol la sol la sol fa. (7) sol la sib sib la sib so’ la sol sol, (2) sib do’ re’ re’ do’ re’ mib’ do’ sib sib. (2) La sib do’ do’ sib la sol, (1) la sib do’ la sol la sib sol fa.
Partitura para piano en SOL: http://www.musicalion.com/es/scores/partituras/23/johann-sebastian-bach/8764/jes%C3%BAs-sigue-siendo-mi-alegr%C3%ADa-versi%C3%B3n-para-piano. Mirarla y sugerir alguna adecuación para tocar.
Video con versión completa: http://www.youtube.com/watch?v=3Mn1ibFdXDU

Puede motivar la escucha de la melodía, el Anuncio en torno a un xilófono de madera. Oir la preciosa Cantata de Bach con el sonido de los golpes de una bolita al rodar bosque abajo sobre cientos de peldaños de madera es algo excepcional: http://www.youtube.com/watch?v=C_CDLBTJD4M. Vale la pena ver también el video sobre todo el proceso de construcción e instalación: http://www.youtube.com/watch?v=VD44QhKuG1U&NR=1.
Sharp sólo había vendido 15.000 ejemplares de su móvil-celular –con tapa de madera- Touch Wood SH-08C, pero después de ver el anuncio… Es impresionante pensar en los problemas de perforación, por ej, que pasaron para ensamblar las piezas necesarias y que una bola de madera corriera por su propia marimba-xilófono, en medio de Kyushu, un bosque del Japón.
Kenjiro Matsuo fue el responsable de la creación del instrumento, mientras que Morihiro Harano tuvo la idea. De hecho, confirmó a The New York Times que no se añadió ninguna música artificial, sólo se ajustaron los niveles de fondo.

Puede que usted nunca haya escuchado una pieza de música clásica en su vida, pero necesita hacerlo con urgencia escuchando esta Cantata 147: Jesús, alegría de los hombres. Hay muchísimas versiones. La de Celtic Woman, espléndida, pero difícil de tocar en un instrumento: http://www.youtube.com/watch?v=iPeVIuRjUi4&feature=player_embedded#!. Más datos, texto en alemán y español, en: http://bach-nt.blogspot.com/2008/07/cantata-147.html.

Sobre la Cantata BWV147, y su décimo movimiento, (conocido más comúnmente como Jesús, alegría de los hombres): Bach, trabajó, arregló y armonizó el texto de Martin Jahn y una melodía de Johan Schop. Todos reconocen que, como nos sucede a todos, trabajamos sobre la base de otros. Y todos reconocen también que, dejándose influir por muchos otros compositores, realizó un trabajo creativo que influyó enormemente en todos los grandes músicos posteriores. Bach pensó primero la cantata para voces, trompetas, oboes, cuerdas y bajo. Después él y otros le añadieron otras partes. Él escribió un total de 200 cantatas durante su estancia en Leipzig, en gran parte para satisfacer la demanda de las Iglesias de Leipzig, alrededor del 58 cantatas diferentes cada año.
La primera versión compuesta de esta cantata fue escrita para la capilla ducal de Weimar. Data de 1716 y fue creada para el cuarto domingo de Adviento sobre un texto del libretista favorito de Bach en Weimar, Salomo Franck. En 1723 fue revisada y ampliada poco después de que Bach ocupara el puesto de cantor en Leipzig, siendo recompuesta para la fiesta de la Visitación, el 2 de julio de aquel año. Para esta última versión. Bach añadió tres recitativos (escritos posiblemente por él mismo) y el coral del siglo XVII universalmente conocido Jesús bleibet meine Freude. (Extractado de: http://corooptativo.blogspot.com/2006/03/jesus-bleibet-meine-freude-coral-de-la.html)

El texto en alemán:
Jesus bleibet meine Freude, - Meines Herzens Trost und Saft,
Jesus wehret alem Leide, - Er ist meines Lebens kraft,
Meiner Augen Lust und Sonne, - Meiner Seele Schatz und Wonne;
Darum lass ich Jesum nicht, - Aus dem Herzen und Gesicht.

La traducción:
Jesús sigue siendo mi alegría consuelo y savia de mi corazón,
Jesús me defiende de toda pena, Él es la fuerza de mi vida,
el gozo y el sol de mis ojos, el tesoro y el prodigio de mi alma;
por eso no quiero a Jesús fuera de mi corazón y mi vista.



Carmen en una versión en Granada

cpe109. CARMEN, TOREADOR y HABANERA. Bizet. Francia.1875. AdT. G. Ópera.


Las 2 imágenes de esta canción, sobre una representación de "Carmen" en Granada, son del diario: ideal.es.

Sonidos primeros de Toreador, y acordes para acompañarlo(en guitarra sería más fácil MI,LA y SI7, con requinto en el primer traste) (FA)Do’ re’ do’ la, la la sol la sib la, (SIb7)sib sol (FA)do’ la, (SIb7)fa re sol do(DO7). Sol re´do´sib la sol la sib la, mi la la sol# si(normal) mi’... La partitura visual de la Habaneracompleta del estribillo en: http://www.juntadeandalucia.es/averroes/recursos_informaticos/concurso2001/accesit_2/partituras/toreador.pdf. Partitura completa de la Habanera, para voz y piano, con audio, escucharla y descargarla en: http://es.cantorion.org/music/3898/Carmen-Habanera---voice-%2526-piano.

Webquest sobre Carmen, para trabajar en grupos de 3 alumnos. Motiva, qué tendrán que buscar, información en la página de recursos, y tareas a desarrollar por cada miembro del equipo. En: http://www.juntadeandalucia.es/averroes/recursos_informaticos/andared02/webquests_musicales/carmen/index.htm. Todo el libreto de Carmen en: http://www.kareol.info/obras/carmen/acto1.htm.

Video de toreador cantado por Ruggero Raimondi: http://www.youtube.com/watch?v=4g_otRgzerI. Curiosa adaptación de la marcha de los toreros: http://www.youtube.com/watch?v=oYKZq08LW8s.- Video con La Habanera, cantada por Ana Caterina Antonacci, subt ingl: https://www.youtube.com/watch?v=D-Fgw3cCi9o. Por Coros y orq de la Univers de Wisconsin : http://www.youtube.com/watch?v=HhBP9OkU8bM.- Les remparts de Sevilla: http://www.youtube.com/watch?v=CdBppuDRncE. El aria de la flor por Miguel Fleta. http://www.goear.com/listen/d8c05a4/il-fior-che-avevi-a-me-carmen-bizet-miguel-fleta. - Capricho Español De Rimsky Korsakoff: http://www.youtube.com/watch?v=OB4WdrVpob8.
Vale la pena Sugerencias para escuchar con la imaginación (propuesta, sobre el audio e ideas, video, obra y autor, más versiones: http://mariajesusmusica.wix.com/audicion-nueva2#.

Un video interesantísimo, en catalán, sobre toda la ópera, lo encontramos en: http://www.ccma.cat/tv3/alacarta/opera-en-texans/carmen/video/3716690/. Me he permitido transcribir en español gran parte de lo hablado, para el que pueda tener dificultades con el idioma–aunque (clic en ¿) abre subtítulos en catalán-. Realmente el video no tiene desperdicio. Ahí va:

Carmen la ópera más famosa en francés, conocida por todos, llena de de Hits. (Con miles de representaciones en la ópera, danza, cine –el último film en 2011, Carmen in 3D-. Basada en la novela Carmen de Prosper Mérimée, publicada por vez primera en 1845. Así como Don Juan es el mito universal masculino, Carmen es el mito universal femenino: una mujer liberada, que nos seduce y cautiva, pero que nos lleva a la perdición. Intentaremos saber qué tiene la ópera y qué tiene el personaje, porque no es exactamente lo mismo. De la ópera te puedes enamorar, pero de Carmen, el personaje, vale más que no te enamores, porque si lo haces, como ella misma canta con sus propias palabras, "prend garde à toi", ten mucho cuidado, tú.
El Concurso de piano María Canals ha tenido una idea genial: colocar un piano en las calles de Barcelona buscando pianistas anónimos. Y a nuestro programa nos han dejado el piano por un día. Hoy está en uno de los lugares más transitados de la ciudad. Ahora, sólo tenemos que conseguir que la gente se detenga. Creo que lo mejor es comenzar a tocar canciones conocidas por todos. Por ej Haleluyah.
Ahora es cuestión de hacer nuestra tarea: "Acerquénse un poquito, que les voy a explicar los 3 grandes hits de la ópera Carmen. No pensaban que hoy vendrían a la plaza de Cataluña y tendrían todo este show.

(minuto 3 de la versión de Opera en tejanos) Ahora que ya estamos enganchados, os tengo que explicar que: Bizet escribió una música que, cuando se escucha, todos se dan cuenta que suena a España. Pero no sé si lo sabéis, Bizet nunca estuvo en España. Y con todo eso, escribió la música española más universal. Como la famosa seguidilla de Carmen, que es madrileña. Ésta (Y va un fragmento):
Carmen es una seductora fatal. La música nos muestra cómo es la seducción de Carmen. No puedes hacer nada para no caer. Y tú como hombre estás perdido. Imposible escapar. Pero ¿a qué nos lleva la seducción? A la muerte. Y el tema musical de la muerte en la ópera, se expresa así (…) Todo muy guai, muy chulo, pero el final es trágico: la muerte.
(minuto 7) Generalmente los papeles principales en ópera son para las sopranos. Carmen es uno de los grandes papeles ansiados por todas las mezzosopranos del mundo. Escuchemos ahora 3 interpretaciones de grandes mezzosopranos.
La primera Ana Caterina Antonazza, desde el Covent Garden de Londres, canta la seguidilla, el momento de la seducción (Les remparts de Sevilla). (A Carmen el brigadier Don José la lleva atada a la cárcel por una pelea. Con las mismas cuerdas va dando la vuelta a D. José y lo va ligando realmente, a la vez que atando a sus encantos.
La segunda Beatriz Uria Monzón, "Si yo te amo, ten cuidado tú. Es una de las mezzos más musicales. Todos están pendientes de Carmen, es el centro, tiene como un imán. Todos los hombres repiten lo que ella dice.
La tercera es Elina Garanca, nacida en Riga, una voz hermosa, luminosa. Repite “la muerte, sin piedad”. Canta el momento en que, gitana, al querer leer su destino en las cartas, ve su propia muerte.
Y ahora La Habanera, el gran hit, que cantan hasta las piedras. Una melodía tan famosa, que se la considera como "la melodía de Carmen". Que, Bizet retomó de otro compositor (Sebastián Iradier). Es la habanera, porque viene de La Habana, de Cuba. Los indianos que habían ido allá, perdieron la guerra de Cuba en 1898, pero trajeron la Habanera.
(minuto 12) Escuchen el ritmo de las habaneras. Podrá cambiar la melodía, pero el ritmo es el mismo siempre. Y ésta es La Habanera de Carmen.
Pero ahora les invito a cantar la habanera que conocen todos en Cataluña: El meu avi. “Mi/ abuelo se fue a Cuba, a bordo del "Catalá", el mejor barco de guerra de la flota de ultramar. El timonel y nuestro amo, y 14 marineros habían nacido en Calella, en Calafrugell. Cuando el "Catalá" salía a la mar, los de Calella hacían ron "cremat", guitarra en las manos solían cantar: ¡¡¡Viva Cataluña, Viva el Catalá!!!”.

Vayamos a lo central del personaje central: ¿Quién es Carmen? preguntamos a un psicólogo, Pere Font, en la antigua Compañía General de Tabacos de Filipinas. No hay que olvidar que Carmen trabajaba en una fábrica de tabaco.
¿Qué tiene Carmen que vuelve locos a todos los hombres?
- Es un arquetipo. Es aquella mujer que provoca una atracción en estado puro, que tú sabes que no puedes permitir que te consuma, pero que caes en cuatro patas. Sin poder hacer nada. Como cuando miramos el fuego y no podemos apartar los ojos, porque todo lo demás queda como apagado. Eso pasa con Carmen: destaca sobre todo lo que está a su alrededor. Cuando los hombres nos hemos pasado tratando de dominar a las mujeres y llevando la iniciativa, Carmen provoca en los hombres un miedo y un deseo terribles.
- Por eso, cuando no podemos tener ese rol dominador, nos sentimos totalmente perdidos.
- En el fondo, muchos hombres que llevan vidas convencionales, tienen fantasías con mujeres como Carmen.
- Nosotros, don José, está enamorado de su prometida, Micaela, pero aparece Carmen y lo trastoca todo. ¿Elegir a Micaela, a Carmen, a las dos? ¿Qué hacer?
- Una representa la mujer buena, la novia convencional que toda madre quiere para su hijo. La otra el amor impuro, como dice la canción.
- El problema es que nosotros no sabemos hacer punto y aparte. Y a otra cosa mariposa.
- Porque este personaje nos puede. Porque representa un tipo de sexualidad tan intensa, acaparadora, explosiva, sexual y emocionalmente. Con una mujer como ésta podemos sentir tanto y tan intensamente que todo lo demás nos parece descafeinado. Carmen es el personaje por el que los hombres, a lo largo de la historia, se pelean y se matan, como en esta ópera.

Canción flamenca como se puede querer a 2 mujeres y no estar loco.

Bizet no fue el único que se inspiró en España para hacer una música genial. En aquel entonces, para Europa, España era algo remoto, exótico. Estaba de moda. Varios grandes músicos compusieron inspirándose en España: la Suite española de Lalo, la Rapsodia española de Ravel, Una noche de verano en Madrid de Glinka. Y la más conocida de todas el Capricho Español de Rimsky Korsakoff. “Tipical spanish”.

Ahora tres intérpretaciones de D. José:
El más cercano es Roberto Alagna, que canta a Micaela su prometida, la que hace de contrapeso a Carmen. Un don José exquisito.
Algo más lejano en el tiempo, pero muy conocido, Josep Carreras, realiza una auténtica creación del personaje. Cuando le canta su amor a Carmen. Cuando todos los tenores gritan, él expresa su amor pianísimo, suave, dulcemente.
Del último intérprete, sólo tenemos el audio, porque está muy lejos en el tiempo, de los años 20. Pero ¡qué audio!: es el gran tenor aragonés Miguel Fleta. Escuchemos sus inmensas facultades, especialmente esas notas larguísimas que las extiende, las hace piano, piano, piano… y pasa a la frase siguiente, sin respirar en el medio.
(Minuto 21) ¿Cómo acaba la ópera? Mientras el torero, Escamillo, está toreando en la plaza de toros, todo el público lo vitorea cantando su motivo, Toreador, fuera de la plaza se encuentran D. José y Carmen. José no puede soportar más los celos, que Carmen sea una mujer liberada y la mata. Con el motivo de la muerte. Pero en la escena que van a ver, Calixto Vieito, el niño terrible de la ópera, se toma una licencia, y ubica la muerte dentro de la plaza. Veámoslo. Es preciosa.
(Minuto 24). La noche del 2 de junio de 1876, 3 meses después del estreno de la obra, a Celestina Galli-Marie, la única mezzosoprano que había aceptado hacer el papel de Carmen, le pasó algo increíble. Al leer las cartas, tuvo una premonición, de verdad, en plena representación. Al salir de escena, blanca como el papel. ¿Qué te pasa?.- Las cartas me han mostrado la muerte de Bizet. Corrieron a la casa del maestro y efectivamente murió aquella misma noche. Muy joven, con 36 años, cuando sólo comenzaba su plenitud musical.
Lo curioso es que Bizet, nunca se pudo imaginar que su Carmen se convertiría en el éxito más universal de toda la ópera francesa.
(Minuto 26): Termina con una interpretación de La Seguidilla.

La letra completa en francés de “Toreador” en : http://letras.terra.com/georges-bizet/1074858/.
Refrain: Toreador, en garde, Toreador, Toreador!
Et songe bien, oui, songe en combattant
Qu'un oeil noir te regarde, - Et que l'amour t'attend,
Toreador, L'amour t'attend! - http://letras.ms/4VcQ

Traducción cantable en español del estribillo de Toreador:
Tore__ro, en guar__dia, Tore__ro, Tore__ro.
Piensa sí, piensa sí, al combatir - que ojos negros te ven
que te espera el amor, Tore__ro, que te espera el amor.

Letra de la Habanera en francés en Wikipedia, donde Carmen expone su filosofía del amor, un poco pesimista.
La letra de la Habanera, en español cantable:
El amor, pájaro rebelde - que nadie puede domesticar:
es inútil que lo llamemos - si se empeña en rechazar.
De nada sirven retos ni ruegos: - Uno habla bien, el otro chitón,
Y ¿si yo lo prefiero al otro, al que se calla y me cae bien?.
Amor, Amor, Amor, Amor.
El amor es un niño bohemio - que nunca, nunca ha conocido ley
Si no me quieres, yo te amo - Si yo te amo, cuidate tú.



cpe110. CHORO Nº 1, guitarra. Heitor Villalobos. Brasil. 1920. EVA. G. Clásica. Instrum.


Interpretado por David Rusell en guitarra: http://www.youtube.com/watch?v=jAg8VHuXNKU&feature=related. Interesante comparar con la version del propio Villalobos, aun teniendo en cuenta las condiciones de grabación de aquella época: http://www.youtube.com/watch?v=UZkEYK4WKKg&feature=related

Es una obra para apreciar, complicada no sólo técnicamente sino desde el aspecto expresivo. En mi experiencia personal, estudié esa obra recién después de 4 o 5 años de estudiar, se considera una obra de repertorio, por lo tanto requiere un cierto nivel y madurez (www.delcamp).
"Sí, soy brasileño - muy brasileño en mi música, dejo que los ríos y los mares de este gran Brasil canten. No le puse una mordaza a la exuberancia tropical de nuestros bosques y nuestros cielos, que intuitivamente se incorporan a todo lo que escribo." Heitor Villa-Lobos.
Para los guitarristas clásicos, la música de la guitarra de Heitor Villa-Lobos (1887-1959) es una parte importante e indispensable del repertorio. Sus populares suite Brasilienne, Estudios, Preludios y Conciertos son imprescindibles para alcanzar posibilidades técnicas y musicales que, hasta el momento de su creación, era impensables.

La palabra choro se asocia a varias de las obras de guitarra de Villa-Lobos. Choro en portugués se deriva de chorar("lamento", "llorar"), y se refiere a un tipo de música popular, principalmente instrumental, que apareció por primera vez en Río de Janeiro en la última parte del siglo XIX. Música ejecutada por chorões, conjuntos de serenatas que siempre incluía guitarras. Y que actuaban por la noche en calles, cafés, teatros y en eventos sociales. Su música era muy espontánea, con elementos de improvisación y virtuosismo. Semejantes, pero anteriores a las bandas de jazz.

En el desarrollo temprano del choro, el popular pianista brasileño Ernesto Nazareth (1863-1934) se destaca como el autor importante de este estilo de música. Al igual que Villa-Lobos, Nazareth fue principalmente autodidacta. Y, al igual que Villa-Lobos, Nazareth fue en gran medida un compositor nacionalista - que compuso la música que se inspiró en la música y la cultura de su país natal. Para Villa-Lobos, Nazareth era "una verdadera encarnación del alma musical de Brasil." Los compositores se hicieron buenos amigos. Influenciado por las obras de Chopin y otros compositores románticos, Nazaret al piano fusionó formas musicales europeas y elementos del jazz y del ragtime con sincopados ritmos brasileños, acompañados a veces, por la guitarra. En una primera audiencia, se tiene la tentación de clasificar esta música como "música ragtime de Brasil."

En su juventud, Villa-Lobos se sintió atraído por la música de Nazaret y los chorôes. Las experiencias de Villa-Lobos tocando en estos grupos constituyen una parte importante y única de su educación musical. Experiencias que más adelante serían la inspiración para una serie de catorce composiciones tituladas choros que le harían internacionalmente famoso…

Villa-Lobos volvió a componer para guitarra en 1920 con su Choro Nº 1 para guitarra sola, que dedicó a su amigo Nazaret. Y que se convirtió en la inspiración para la serie de choros, con la idea de ofrecer una visión panorámica de las técnicas de improvisación de los músicos de la calle .... que se consideran las composiciones más originales e innovadores de Villa-Lobos . Estas obras, compuestas cuando Villa-Lobos estaba en París, se inspiró en la música de los chorões, pero utilizando el lenguaje de composición predominante en ese momento en Europa, sobre todo en París. París era la capital artística del mundo, y su público estaba hambriento de los sonidos y ritmos de tierras lejanas, exóticas como Brasil. Villa-Lobos no tardó en darse cuenta de que podía hacer que su fama creciera con este tipo de música…

En su Introducción a los Choros para guitarra y orquesta, al principio de la partitura impresa, Villa-Lobos especifica claramente "guitarra con micrófono". Obviamente, Villa-Lobos se dio cuenta de que una guitarra sin amplificación, no se oiría junto a una orquesta completa. Esa obra no es sólo un trabajo pionero, sino que demuestra que la guitarra puede ser eficaz en un entorno orquestal. Que sienta las bases para otros concertistas de guitarra, como Joaquín Rodrigo y Manuel M. Ponce…

El gran compositor mexicano Manuel M. Ponce (1882-1948) conoció a Villa-Lobos en la década de 1920 en París. En una carta a su esposa, Ponce escribió sobre su primer encuentro con el compositor brasileño y su discusión acerca de los Choros: "... Villa-Lobos, en su dialecto trilingüe curioso (francés, español, portugués) me dice que su música viene directamente de los bosques brasileños. Evoca su lejano Amazonas, la violencia de los ritmos salvajes, melodías negro trenzadas en sus cuerpos "síncopas, en el frenesí de las danzas que el genio del compositor, ha logrado unir en los prodigiosos 'choros', uno de los cuales causó un escándalo en los conciertos Pasdeloup.
(Del artículo traducido de John Patykula “Villalobos and the Choro”, en: http://www.guitarramagazine.com/villaloboschoro .



cpe111. CONCIERTO EN RE op35. Chaikovsky. Film Le concert. EVA. G. Clás. Instrum.


La violinista de "Le concert" está en: gabycueva.blogspot.com

Videos y audios. El final del film: https://www.youtube.com/watch?v=jPZZ63ej3wo. El concierto entero -los 3 movimientos- , interpretado por Itzhak Perlman, con la Orquesta de Filadelfia y Eugene Ormandy:https://www.youtube.com/watch?v=CTE08SS8fNk.

Cuando ya no recuerdo quien, me hizo llegar el vínculo del concierto al final de la película “Le Concert”, me dejó anonadado, con la boca abierta. Hacía años que no veía ni escuchaba algo semejante. Otro amigo me consiguió la película. Interesante, emocionante y medio cómica, absurda y creíble, algo ingenua. Pero no de la excepcional calidad de su final: la mayor parte del primer movimiento –allegro moderato- del concierto en RE.

La historia narrada en el film (Coproducción: Francia, Italia, Rumania, Bélgica, Rusia, 2009) Dirección: Radu Mihaileanu), podría ser verdad. Porque fueron verdad las diversas persecuciones al pueblo judío. Pero parecería otra vuelta más de tuerca, para que no veamos el muro, la opresión, la persecución con las que hoy, 2011, el Estado de Israel mantiene atrapados el pueblo palestino. A uno le duele el alma ver las fotos 2011 de los organismos de las Naciones Unidas. Siendo conscientes de ello, volvamos al film:

Andrei Filipov, famosísimo director de música ruso (según el film, aunque no encontré ninguna otra biografía), fue destituido en 1980 y obligado a limpiar el polvo y pulir el escritorio del nuevo director del teatro donde dirigía. Porque se negaba a despedir a su orquesta, compuesta principalmente por músicos judíos. Durante treinta años se ve un teatro Bolshoi aburrido. El Théâtre du Châtelet invita a la orquesta a tocar en París. Philipov reúne a los músicos que habían tocado en su orquesta y los lleva a Francia. Durante 30 años habían trabajado como porteros, limpiadores, conductores de ambulancias. Y ahora tienen la oportunidad de redimirse y reinsertarse en su función artística.

Radu, el director del film, en 1980, con apenas 22 años, dejaba Rumania con supuesto rumbo a Tel Aviv. La dictadura de Nicolae Ceausescu le había permitido visitar por dos semanas a su abuela, pero el destino real fue París y el exilio, debido a las persecuciones que vivía el novel cineasta. Su familia le dijo adiós con una sonrisa impostada ante la policía aeroportuaria y su madre tuvo que disimular sus lágrimas en el baño.

El cine de Radu Mihaileanu transcurre de igual manera, entre la música, la sonrisa y el llanto, y aunque en apariencia uno de estos preceptos siempre supere a los otros, subyace su clara amalgama en cada film. Lo mismo ocurre con El Concierto, donde el director vuelve a esas constantes analizando siempre un episodio de represión y la búsqueda de la libertad en el hombre… Pero El Concierto no es un drama intimista sino una desbordante comedia dramática más a tono con el cine del bosnio Emir Kusturica, porque en base a una historia de hondo dramatismo el director añade una batería de pintoresquismo cargada en exceso… Es un film que consigue el cometido de agradar al espectador en base a la inteligente cámara de Mihaileanu, por su estilo pirotécnico hasta el clímax final. También gracias a las sinceras actuaciones que brindan el actor ruso Aleksei Guskov (como el director caído en desgracia), la bella promesa del cine francés Mélanie Laurent, como la violinista que acompañará dicha función permitiendo otra vuelta de tuerca, e incluso los siempre afirmados François Berléand y Miou- Miou.
El final de El Concierto, síntesis lograda de la comunicación a través de la música, posibilita escuchar a un Tchaikovsky interpretado, en la realidad, por la joven y excepcional violinista Sarah Nemtanu.
(Extraído de: http://www.revistacriterio.com.ar/cultura/cine-el-concierto/Interesante la entrevista con el director en el diario peruano: http://www.larepublica.pe/27-02-2011/mis-peliculas-son-una-lucha-contra-el-racismo

El Concierto para violín en re mayor, op. 35, escrito por Piotr Ilich Tchaikovsky, es uno de los más conocidos de todos los conciertos para violín. También es considerado como la bestia negra por los violinistas, dificilísimo. La pieza fue escrita en Clarens, Suiza, un balneario a orillas del lago de Ginebra, donde Tchaikovsky había ido a recuperarse de una depresión. Tchaikovsky hizo un progreso rápido y constante en el concierto, ya que con su cura de reposo había recuperado la inspiración y el trabajo se completó en un mes… Dado que Chaikovsky no era violinista, buscó el consejo de Iósif Kotek en la terminación de la parte solista: "¡Con qué amor está ocupándose de mi concierto!”, escribió a su hermano Anatoli el día en que terminó el nuevo movimiento lento… "No hace falta decir que yo habría sido capaz de hacer nada sin él. Lo interpreta maravillosamente" (Más datos en: http://en.wikipedia.org/wiki/Violin_Concerto_(Tchaikovsky).




cpe112. DANZON n° 2. Márquez. México. EVA. G. Instrum. Orq Nac Simón Bolívar.


Video, en: http://www.youtube.com/watch?v=Qs0NLw-PpMo&hd=1. Idem por la orquesta infantil y juvenil Montalbán: http://www.youtube.com/watch?v=-M_5bOwV99Q&feature=related. Entrevista con el Mtro. Arturo Márquez dentro del corto Cómo se hizo el Danzón nº 2: http://www.youtube.com/watch?v=P_FILYz9Y5Y&feature=related

Audio en mp3: http://www.ivoox.com/danzon-no-2-arturo-marquez-audios-mp3_rf_1687779_1.html.
Otras obras bien interesantes: Interpretación de Pajarito Amarillo y Alma llanera, PROMS: http://www.youtube.com/watch?v=Oqv0KIWekb4. El 2º movim del Sinfonía 10 de Shostakovich y Danzón nº 2 de Arturo Márquez, con subtítulos en español: http://www.ted.com/talks/astonishing_performance_by_a_venezuelan_youth_orchestra_1.html

Un amigo me escribe desde Río de Janeiro: Va Gustavo Dudamel a Montevideo. Seguro lo conoces, pero mi entusiasmo me insta a divulgarlo. El hombre, Director de la Orquesta Juvenil de Venezuela, revolucionó la Filarmónica de Los Ángeles! Te envío esta información porque Gustavo estuvo en San Pablo la semana pasada, está en Rio de Janeiro esta semana, en Buenos Aires la próxima y... en Montevideo la siguiente. Es realmente imperdible!!!!
Gustavo Dudamel es un reconocido músico y director de orquesta venezolano. Con apenas 28 años de edad ha sido merecedor de los máximos reconocimientos. Se educó bajo el sistema de orquestas juveniles e infantiles de Venezuela y es director de la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar.

Bajo la batuta de Dudamel, más de 1.500 músicos integrantes de la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar y del Coro Sinfónico Juvenil de Venezuela se unieron este martes a la celebración del Bicentenario de la Independencia de este país con la realización de un gran concierto en la plaza Diego Ibarra ubicada en el casco histórico de la ciudad de Caracas.
La corresponsal de teleSUR en Caracas, Madelein García, comentó que una de las novedades de este recital es que "por primera vez en la historia del país esta cantidad de músicos" se unen en un escenario. Informó también que en el lugar "hay además estatuas vivientes en otras esquinas (...) hay una representación del momento cuando se redacta el Acta de la Independencia", firmada el 5 de julio de 1811.
Este concierto fue ofrecido por la Sinfónica de Venezuela luego de que realizara la gira Bicentenaria en la que visitaron Brasil, Argentina, Uruguay, Chile y Colombia y que culminó el sábado con un espectáculo en el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo, en Bogotá, Colombia.
A petición del público, la Orquesta Simón Bolívar repitió la canción Venezuela, de Pablo Herrero y José Luis Armenteros, una de las más representativas del país suramericano.

El Danzón Nº. 2 para orquesta es una obra del compositor mexicano Arturo Márquez, uno de los músicos más populares e importantes de México, composición que tocan con frecuencia las orquestas sinfónicas como música clásica contemporánea. Fue encargado por la Universidad Autónoma Nacional de México y se estrenó en 1994 en la Ciudad de México por la Orquesta Filarmónica de la UNAM, bajo la dirección de Francisco Savin. La pieza se centra en los acentos en lugar de las marcas temporales, por lo que el ritmo puede parecer que varía a pesar de que no lo hace, porque la precisión en cada medida se mantiene constante. Esta literatura de música contemporánea mexicana se expresa y se refleja en un estilo de baile llamado danzón, que tiene sus orígenes en Cuba, pero es una parte muy importante del folclore del estado mexicano de Veracruz. Márquez se inspiró durante su visita a un salón de baile en esa ciudad. Sobre el danzón cubano en México y Veracruz ver: http://www.dcubanos.com/sabiasque/nuestro-danzon-en-mexico.

En el 2009 se realizó un cortometraje con la pieza como el dispositivo de la narrativa principal. Está situado en la ciudad de México en la década de 1940, la edad de oro del danzón, y el estilo es un homenaje al cine mexicano de la época. La película cuenta con Arturo Márquez en un cameo como el pianista de la sala de baile. Se estrenó en el Festival de Cine de Morelia como octava parte de su línea oficial.


cpe113. EL CARNAVAL DE LOS ANIMALES. Saint Säens. Francia. 1886. Fdt. T?. Clás. Instrum.


Paquete de actividades: http://clic.xtec.cat/db/act_es.jsp?id=1378. Guía muy completa incluídas las partituras –algunas muy fáciles- de todos los movimientos (habría que elegir)en: http://es.scribd.com/doc/214600/Guia-Didactica-El-Carnaval-de-los-animales

Videos y audios: Todos los de El Carnaval de los animales, en: http://mariajesusmusica.wix.com/carnaval-animales. En mp3: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/7/7f/Camille_Saint-Sa%C3%ABns_-_The_Carnival_of_the_Animals.ogg

En 1886 Camilo Saint-Saëns escribió una divertida obra instrumental llena de animales: donde aparecen leones, gallinas, tortugas, canguros, burros y varios más. El compositor planeó la música como una broma para un día de Carnaval, así que tiene toques de buen humor por aquí y por allá, como podrá ver y escuchar. Camilo era un músico bastante serio, por lo que prohibió que esta obra humorística se editara mientras él vivía (con excepción de una sola pieza: el cisne) Sin embargo, cuando murió dejó escrito en su testamento que el Carnaval de los Animales podía ser impreso por sus editores habituales… Precisamente esta obra se convertiría en la más popular de todas las que escribió.
Esta Gran fantasía zoológica está compuesta por 14 pequeñas piezas. Excepto la última, todas tienen nombres de animales y la pieza los evoca. Aquí hay que aclarar que una ellas no es precisamente un animal, pero Camilo hizo una broma poniendo a los pianistas entre la fauna de esta obra. Otra de las bromas es que Camilo tomó prestada música de otros compositores y la puso en un contexto muy distinto del original. Así podremos escuchar desde canciones antiguas francesas hasta “Can-can”, pasando por un trozo de la Danza Macabra del mismo Saint-Säëns.
Para tocar esta fantasía zoológica se necesitan once músicos; en las primeras trece se combinan algunos de ellos en pequeños grupos, y sólo en la última pieza tocan todos juntos.
(Extraído dehttp://mirthaluzfacundo.blogspot.com/2009/01/el-carnaval-de-los-animales-camilo.html

Detalle de la obra: El primer movimiento es la “Introducción y marcha real del León“. "Tortugas” utiliza de manera ingeniosa el conocido can-can de la operetta de Jacques Offenbach Orfeo en los Infiernos, tocando la habitualmente dislocada melodía a un tempo inusualmente lento y pausado. Las gallinas y gallos también tienen su espacio en este divertido Carnaval. Los animales veloces nos hacen imaginar liebres o caballos al galope. Los canguros dando saltos. Hasta los animales de piedra hacen su aparición en “Fósiles”, con el xilófono imitando el resonar de huesos. Y, entre otras citas, aparece la Danza macabra del propio Saint-Saëns, protagonizada por un esqueleto. Dentro de los “Personajes de largas orejas” tenemos al elefante: “L‘Éléphant” con el contrabajo. Y al final de la obra, en el que se pasa revista a la mayoría de los animales representados en escena, encontramos también un “guiño” a otros animales de grandes orejas, los burros, final con el que Saint-Saëns podría estar refiriéndose a los críticos; atención a los “rebuznos”.


cpe114. EL RELOJ SINCOPADO. Leroy Anderson. USA. 1945. EVA. T. Humor.


El Musicograma con las diversas partes e instrumentos como la imagen anexa están en: http://ramoneg63.wordpress.com/2010/01/06/audicion-el-reloj-sincopado-de-leroy-anderson/. Oir y descargar en mp3: http://www.pontemp3.net/el-reloj-sincopado-anderson/.

Leroy Anderson es conocido por sus pequeñas piezas. Una de ellas es “El reloj sincopado”, en el que escuchamos el tic-tac y hasta el timbre despertador del reloj. ¡Estupendo para empezar el día con alegría.!
Muy interesante también "La máquina de escribir". Verlo en el concierto de Voces para la paz: http://www.youtube.com/watch?v=G4nX0Xrn-wo.
Compositor norteamericano nacido en Cambridge (Massachussets). Estudió en la Universidad de Cambridge, siendo más tarde director de la banda oficial de ésta universidad de 1932 a 1935. Ese mismo año se convirtió en arreglador y pianista de la Orquesta Boston Pops, cuyo director Arthur Fiedler, le encargó algunas composiciones. Durante la Segunda Guerra Mundial ejerció como lingüista del ejército norteamericano en Islandia. Leroy Anderson es autor de numerosas composiciones, las más conocidas pequeñas piezas livianas y novedosas, que de inmediato se hicieron famosas gracias a sus melodías contagiosas e ingeniosas. Entre ellas destacan, Jazz Pizzicato (1938), El reloj sincopado (1945), Sleigh Ride (1948), La máquina de escribir (1950), Plink, Plank, Plunk! (1951), Blue Tango (1952), la primera obra instrumental que vendió un millón de copias; The First Day of Spring (1954), Bugler’s Holiday (1954) y Goldilocks (pieza teatral-musical, 1958). Murió en la ciudad de Woodbury el 18 de mayo de 1975. http://www.epdlp.com/compclasico.php?id=3958.
Otra composición fabulosa de Leroy es La máquina de escribir, compuesta para el film de dibujos animados los 101 dálmatas, estupenda para teclear con los niños cualquier superficie o cualquier máquina imaginaria. “The typewriter” (1950) es tema donde el humor está expresado por la utilización de la máquina de escribir como un solo “instrumental”. Escuchamos el teclear, el final de línea con su timbre característico y el avance de rodillo para cambiar de línea (hoy conocido como “intro”). Ver y oir en: http://www.youtube.com/watch?v=_N15_zekTpQ.
(De http://www.bebesymas.com/educacion-infantil/musica-clasica-divertida-para-ninos)


cpe115. EL MOLDAVA. Bedrich Smetana. Chequia. 1882. Aft. M/G. Instrum.


La foto de Praga con sus puentes, es de: catal.es

Primeros sonidos del tema principal: si mi fa# sol la si si si do’ do’ si, si la la la sol la sol fa# fa# fa# mi (bis). Sol do re mi fa# sol la si do’ re’ la do’ si, mi la si do’ re’ mi’ fa# sol la si, fa# la sol sol sol mi sol si, fa# sol mi sol si, fa# fa# su fa# fa# si.
Análisis, audios, videos, partes en: http://tono-menor.blogspot.com/2012/06/grandes-obras-el-moldava-smetana.html.

Audiovisual 1ª parte. El tema principal aparece ya en 0'56": http://www.youtube.com/watch?v=tLNY6qrmghE.
Ver y oir la estructura de la obra en http://www.wix.com/fterensi/smetana-el-moldau.

Bedrich Smetana fue un gran compositor checo. Exaltado, apasionado y tenaz, decidió hacer su carrera en la música sin importar las dificultades, por encima de los deseos de su padre de que se dedicara a la elaboración de cerveza o fuese un funcionario público.

Má vlast (Mi patria) es la primera obra de gran escala madura de Smetana… Y llevó el nombre de Smetana más lejos que cualquier otra obra suya… La dedicó a la ciudad de Praga, después de su primera actuación en noviembre de 1882 donde fue aclamado por el público musical checo como la verdadera representación de estilo nacional checo. Uno de los movimientos de esa obra, llamado Vltava (Moldava), es la composición orquestal de Smetana más conocida y popular internacionalmente… Describe el recorrido de este río atravesando Bohemia y Moldavia, en la república Checa, desde su nacimiento como un pequeño manantial hasta su llegada a la ciudad de Praga como un gran y majestuoso río. El Moldava divide a la Praga turística en dos: la ciudad vieja y el lado pequeño de la ciudad vieja. El puente Carlos es el más emblemático, y con mas densidad de habitantes por minuto, de todos los que unen las dos partes. Siendo mas caudaloso que el río Elba, en donde desemboca medio centenar de Km hacia el oeste, en Melnick, pierde su nombre al salir de la desembocadura por una de esas convenciones internacionales, que viene a decir que el nombre del curso de aguas resultante de toda desembocadura será el del rio que forme un ángulo mas grande, independiente de su caudal y de su literatura.

En general, incluso en su propia patria, el público tardó en reconocer al artista. Como joven compositor y pianista era bien visto en los círculos musicales de Praga… pero la falta de reconocimiento público fue un factor principal que provocó su autoimpuesto exilio en Suecia. Después de su regreso, no se le consideró en serio y fue muy difícil conseguir audiencia para sus nuevas obras. Muchas de ellas se ejecutaron con la sala casi vacía y una recepción indiferente. No fue el caso de Mi Patria: el aplauso que siguió a la primera actuación del ciclo completo en noviembre fue impresionante: «Todo el mundo se puso de pie y la misma tormenta de aplausos interminable se repitió después de cada una de las seis partes. [...] Al final de Blaník [la parte final], la audiencia estaba fuera de sí y nadie quería dejar marchar al compositor del escenario».
(Biografia completa en http://es.wikipedia.org/wiki/Bed%C5%99ich_Smetana).


martuka.com

cpe116. EL VUELO DEL MOSCARDÓN. Rimsky Korsakoff. Rusia. 1900. EVA. T. Instrum.


Videos: por orquesta sinfónica, dirigida por Zubin Mehta: http://www.youtube.com/watch?v=Gd7OCyt8mW0&feature=player_embedded#!. Itzhak Perlman en violín: http://www.youtube.com/watch?v=u6SEv3icb7o&feature=related. Vínculo e información del Capricho Español en cpe111. Muy interesante también de Rimsky, Sheherezade, por la orquesta nórdica juvenil: http://www.youtube.com/watch?v=KMKTaLaYBB8.
Sugerencias pedagógicas para escuchar con la imaginación (propuesta, sobre el audio e ideas, video, obra y autor, más versiones: http://mariajesusmusica.wix.com/audicion3#!.

El vuelo del moscardón es una divertida composición de Rimsky-Korsakov. Ideal para volar nosotros mismos por el salón o hacer volar cualquier muñeco al son de esta música. Originalmente es un interludio orquestal que cierra el tercer acto de su ópera “El cuento del Zar Saltán”, con argumento basado en un texto de Alexandr Pushkin. El Ave-Cisne mágica le de al Príncipe Gvidon Saltanovich (el hijo del Zar) instrucciones de cómo transformarse en un insecto; entonces puede volar para visitar en secreto a su padre (que no sabe que él sigue vivo).
La frenética melodía, a modo de movimiento perpetuo, está fragmentada y pasa por diferentes secciones de la orquesta. Sin embargo, por lo que es conocida es por interpretarse de forma independiente y por un solo instrumento (piano, trompeta, violín), demostrando así el intérprete su virtuosismo y su dominio técnico del mismo para conseguir esa imitacion del zumbido del moscardón. (http://www.bebesymas.com/educacion-infantil/musica-clasica-divertida-para-ninos. No es tanto la altura o el rango de las notas que se tocan el problema del músico, sino simplemente la habilidad de moverse con suficiente rapidez.

Los niños pueden seguir con el dedo en el aire "El vuelo del moscardón" subiendo cuando la melodía rapidísima gira hacia los agudos y bajando cuando gira a los graves, mientras se oye la música.
Muchos más datos sobre la obra en: http://es.wikipedia.org/wiki/El_vuelo_del_moscard%C3%B3n


cpe117. LA DANZA DE LAS HORAS. Ponchielli. Italia. Aft. M/G. Clás. Instrum.


La foto está extraída de: de-poetas-y-locos.blogspot.com

Partituras. Facilitada: mi sol sol la, la do’ do’ si, sol la la si, si fa’ fa’ mi’, mi mi’ mi’ re’ re’ si si la, sol mi’ mi’ re’ re si si la… En http://jertemusic.es/cursos/imagenes_ cursos_flauta/danza_de_las_horas.jpg.

Video de la Orquesta Sinfónica de Yucatán en 2008: http://www.youtube.com/watch?v=S1ahAHnzGAk&feature=player_embedded. Bailada: https://www.youtube.com/watch?v=QGX2GCfaxpE. De Fantasia, https://www.youtube.com/watch?v=b2fXTWikDng!. La imagen de la izquierda está en: http://danceviewtimes.typepad.com/photos/ uncategorized/2007/10/19/fools273group.jpg.

Amilcare Ponchielli (1834-1886), es un compositor importante tanto por su obra como por su aportación al progreso de la música, consistente no sólo en su labor creativa sino también en la didáctica: fue el maestro de algunos de los más importantes operistas italianos del período a caballo entre los siglos XIX y XX, entre los que destacan Giacomo Puccini y Pietro Mascagni.
El catálogo de Ponchielli incluye ballets, cantatas, música coral y sobre todo numerosas óperas, el género que le procuró su gran éxito, en la Italia de su época sólo inferior al de Giuseppe Verdi. Sin embargo, para la mayoría de la gente, el nombre de Ponchielli está ligado a una sola ópera, La Gioconda, que compuso sobre un libreto de Arrigo Boito, el libretista de las óperas más exitosas de Verdi. Más aún, está ligado sólo a un número de esa ópera: La Danza de las Horas, con un tema principal muy pegadizo que seguramente ha contribuido de manera notable a su popularidad.
http://www.educacionmusical.es/2010/08/31/la-danza-de-las-horas/.

El fragmento la "Danza de las Horas" fue utilizado por Walt Disney en Fantasía, para hacer bailar a hipopótamos, avestruces, lagartos y elefantes con tutú. Cuando se alza el telón, nos encontramos en el gran vestíbulo del palacio del Duque de Albisa, un noble veneciano. En wikipedia hay mucha información sobre la ópera la Gioconda y el autor.


También las mujeres: archivolavoz.com.ar

cpe118. MALAMBO. Alb Ginastera. Argentina. 1941. eva. M/G. Folklore. Instrumental.


Videos enviados por Carlos Rabassa: Gustavo Dudamel dirige a la Sinfónica de la Juventud Venezolana Simón Bolívar en la danza final, "Malambo", de la suite del ballet "Estancia" de Alberto Ginastera, BBC 2007: http://www.youtube.com/watch?v=uhFpd0fDmZ4. Un malambo bailado: youtube.com/watch?v=4F9ntckgvDQ. Por Alvaro Ordoñez al piano: http://www.youtube.com/watch?v=sB4-UhtcjmY.

En 1939 Alberto Ginastera (1916-1983) compuso el ballet Panambí, considerado por sus biógrafos su primera obra importante. Le había sido comisionado por Lincoln Kirstein (1907-1996), uno de los más inquietos promotores artísticos norteamericanos… con el objeto de que el célebre coreógrafo George Balanchine (1904-1983) lo montara con la compañía del American Ballet Caravan.
Dos años después, también por encargo de Kirstein y con el mismo destino, Ginastera creó la música del ballet Estancia, -cuya danza final es el Malambo- dedicado a reflejar los personajes prototípicos y las actividades características de los grandes establecimientos rurales de la pampa argentina. Pero la inminencia de la Segunda Guerra Mundial frustró la posibilidad de que ambas obras llegaran a subir efectivamente a escena.
La pieza quedó relegada hasta que en 1943 se estrenó en Buenos Aires una suite de sólo cuatro danzas en versión de concierto. La repercusión fue tan inmediata como favorable. Pero la primera presentación completa del ballet, con coreografía de Michel Borowsky, se produjo recién en 1952 en el Teatro Colón de Buenos Aires.

Desde entonces, Estancia ha dado pie a numerosas versiones realizadas en el país y en el exterior, algunas muy recordadas, como la efectuada por Oscar Araiz en 1966 en el Teatro Colón, como parte de los festejos del 150° aniversario de la Declaración de la Independencia nacional.
Para esta oportunidad, Carlos Trunsky seleccionó de la partitura original completa un total de ocho danzas, las cinco más enérgicas y las tres de mayor lirismo.
Este joven coreógrafo quiso aprovechar esta obra paradigmática para expresar por medio de formas danzables su propia visión de nuestro pasado y nuestro presente, con una mirada que no elude la crítica ni el señalamiento de nuestras contradicciones. (Extraído de: http://blogteatrolaplata.blogspot.com/2010/05/ballet-estancia-de-ginastera-y-opera.html.

Alberto Ginastera, nació en Buenos Aires, Argentina, el 11 de abril de 1916. Murió en Ginebra, Suíza, el 25 de junio de 1983.
    Su primer trabajo importante fue el ballet Penambí, que lo hizo conocido en toda Argentina. De 1945 a 1948 abandona su país debido a su pésima relación con Perón. Va para Estados Unidos, donde estudia con Copland y Tanglewood. Cerca de 1956 expande su estilo musical más allá de los límites de la nacionalidad. Es la época de excelentes trabajos. En 1969 sale nuevamente de Argentina y va a vivir en Ginebra, Suíza.

    Su música es esencialmente tradicionalista. Una ecléctica síntesis de técnicas de varias escuelas musicales está evidente en su composición más famosa, la ópera Bomarzo. Quedó famoso como compositor de fuerte sentimiento nacionalista, a pesar de haber influencias de la música internacional que se producía en Europa después de la Segunda Guerra Mundial.
Su obra puede ser dividida en 3 períodos: nacionalismo objetivo, nacionalismo subjetivo y neo-expresionismo.
    Sus primeros trabajos pertenecen al primer período. Él caracterizó ese período como una etapa de "nacionalismo objetivo" en el cual las características de la música folklórica se reproducían abiertamente. Usa el folklore argentino y es influenciado por Stravinsky, Bartok y Falla. Son de este período: Danzas Argentinas op. 2 para piano, Estancia (ballet), las Cinco Canciones Populares Argentinas, Las horas de una estancia y Pampeana nº 1. El estreno de la suite orquestal de su ballet Estancia, consolidó su posición dentro de Argentina.
    A partir de 1948 comienza a usar técnicas de composición más avanzadas. Es el período de nacionalismo subjetivo, sin posiciones revolucionarias. Abandona los elementos populares tradicionales a pesar de continuar usándolos simbólicamente.
http://www.ciweb.com.ar/Ginastera


cpe119. MARCHA NUPCIAL. Wagner. Alemania. 1850. Aft. Instrum.


La foto del castillo de Neuschwanstein en invierno es de: mayoresconcuerda.com

Partitura –también con los nombres escritos de los sonidos- y audio con acompañamiento. Dibujos en broma. http://www.wix.com/jorgedelicado/libro-sexto#!__boda.
Video: Coro del brindis de Lohengrin, por Voces para la Paz, 2005: http://www.youtube.com/watch?v=M3g-xtkEaPU&feature=results_video&playnext=1&list=PL75288EA2AB6F26C7.

Lohengrin es una ópera romántica en tres actos con música y librero en alemán de Richard Wagner. Fue estrenada en Weimar, el 28 de agosto de 1890. La historia del personaje epónimo está tomada de un romance alemán medieval, especialmente el Parzival de Wolfram von Eschenbach y su secuela, escrita por un autor diferente, a su vez inspirada por la épica de Garin le Loherain. Forma parte de la tradición del Caballero del Cisne. Forma parte del Canon de Bayreuth.
La ópera ha inspirado otras obras de arte. Entre aquellos profundamente conmovidos por la ópera de cuento de hadas estuvo el joven rey Luis II de Baviera Der Märchenkönig ("El rey de cuento de hadas") tal como lo llamaron más adelante, construyó su castillo ideal de cuento de hadas y lo llamó "La nueva piedra del cisne," o "Neuschwanstein", por el Caballero del Cisne. Fue el mecenazgo del rey Luis lo que más adelante proporcionó a Wagner los medios y la oportunidad de componer su ciclo épico El anillo del nibelungo, para el que construyó un teatro en el que se pudo representar.
Se la considera la más «italiana» de las óperas wagnerianas, incluso se acostumbra a interpretar en concierto escenas y fragmentos de la ópera. Las partes más conocidas son los preludios del primer y tercer acto, el aria final de Lohengrin y la marcha y coro nupcial, que tradicionalmente se interpreta en las bodas de la mayoría de los países occidentales. (De http://es.wikipedia.org/wiki/Lohengrin. Donde hay muchos más datos sobre representaciones, personajes, argumento, interpretaciones, discos, vínculos externos sobre el contenido y su música…). 


Leer Cómo concebí Lohengrin, por Richard Wagner: http://www.archivowagner.com/escritos-de-richard-wagner/177-w/wagner-richard-1813-1883/671-como-concebi-lohengrin

La petición de mano tan original está en: vix.com

¿Algún casamiento donde no se toque esta música? Ha sido interpretada de todas formas, desde órganos a orquestas completas. Cuando empieza a sonar esta melodía, usted ya sabe que la novia va a aparecer, vestida de blanco. También se tocará a la salida de los novios.
Pero el contexto de la ópera no es celebrar el amor de una pareja y la alegría de familia y amigos. Es una leyenda trágica repleta de seres mitológicos, brujos, juicios, prisiones, muertes…. La música proviene de la ópera “Lohengrin”, en la cual el “Bridal Chorus” lo cantan las damas de honor a Elsa y su Lohengrin … El cual, después de la canción Lohengrin se enfrenta y da muerte a cinco invitados al casamiento y deja a Elsa.
Como se pueden imaginar, Lohengrin no es una ópera alegre. El casamiento dura dos canciones. Después que Lohengrin abandona a Elsa que –como es una ópera- muere de tristeza. Así que la música que se oye en todas las bodas es menos festiva y más siniestra.


cpe120. MARCHA RADETZKY. Strauss padre. Austria. 1848. Aft. T. Instrum.


Sonidos en SOL: sol sol sol sol sol sol, si la sol fa# mi re# mi fa# sol, si la# si si la# si si la# si la sol, si la# si si la# si si la# si re’ do’…
Partitura para piano: https://partiturasparaclase.wordpress.com/2014 /10/26/marcha-radetzky-2/. Oir en Mp3 http://www.goear.com/ listen/c6ba75f/marcha-radetzky-strauss.
Vínculo en muchas clásicas. Concierto del Año Nueva en Viena 2011. http://www.youtube.com/watch?v=HLv7tS6YMd0. Filarmónica de Viena: http://www.youtube.com/watch?v=wh1p5tEd2UE. Muy curiosa la marcha en percusión corporal, no demasiado fácil: http://www.youtube.com/watch?v=C5OREDuZhjM&feature=related.

Propuestas didácticas interesantes en: http://www.uruguayeduca.edu.uy/Portal.Base/Web/verContenido.aspx?ID=207499.

La compuso Johann Strauss, padre, en 1848. Compositor y violinista austriaco fundó en 1819, con su amigo Josed Lanner, un cuarteto que muy pronto se transformo en una pequeña orquesta. En 1825 formo su propia orquesta, que actuaba en cervecerías y cafés. Director de música en el Sperl, efectuó numerosas giras por Europa (1833-1838) y trabó amistad con Berlioz. Nombrado jefe de música del primer regimiento imperial de Viena, se convirtió en director de los bailes de la corte (1846). Estableció la forma del Vals (cinco partes con da capo) y lo convirtió en un baile de sociedad burguesa vienesa del siglo XIX.

La popularidad de la marcha se incrementa todos los años: Cada Año Nuevo, en su concierto la interpreta La Filarmónica de Viena, como última obra. En ella, la audiencia aplaude al compás en la repetición fuerte de lo que podríamos llamar el estribillo y el director se vuelve para dirigir al público en lugar de hacerlo a la orquesta.
Extraordinariamente atractiva, no obstante su raíz histórica, gozosa para unos y dolorosa para otros. Porque Strauss la compuso en honor del mariscal de campo conde Johann Joseph Wenzel Graf Radetzky von Radetz, militar checo que –formando parte del imperio austríaco-, batalló en todas las guerras a favor del Imperio. Después de una historia militar y ministerial extraordinarias, con 70 años, logró transformar el ejército austriaco que dominaba el norte de Italia y derrotar a los patriotas italianos. En la historia del ejército austríaco es el franco y amable Vater Radetzky ("padre Radetzky") que los soldados idolatraron.
La marcha alcanzó gran popularidad como expresión del nacionalismo austriaco. Pero cuando después de un tiempo Radetzky tomó parte en la represión del movimiento revolucionario en Austria la marcha llegó a ser considerada como un símbolo reaccionario. ¿Y qué decir de cómo verán los italianos a aquel que conducía la lucha contra sus ansias de libertad?

Desde 1896 es la marcha oficial de presentación de la Escuela Militar del Libertador Bernardo O'Higgins del Ejército de Chile.
Como dato anecdótico, en la película del director húngaro István Szabó El Coronel Redl, se escucha esta marcha en los créditos iniciales y finales, clara referencia al Ejército Austrohúngaro, institución a la cual perteneció Alfred Redl. Esta obra dio título igualmente a la novela de Joseph Roth, La marcha Radetzky, sobre el declive del Imperio austrohúngaro.


cpe121. MARCHA TRIUNFAL, Aida. Verdi. Italia. 1871. Aft. M/G. Instrum.


Del montaje de la Opera de Cincinnati.

Sonidos para un instrumento de “Marcha Triunfal”: re sol_ la re la si si si, si do’ sol si la sol, la si si la sol, la si si la si si sol la la (bis)_ sol la sol la re re (2) sol la sol la re’ re’, la la re re... Partitura en SOL: https://www.youtube.com/watch?v=q5vUWREwKAg.

Video, sólo sonidos: https://www.youtube.com/watch?v=4fba_2RKuV4. Video de una representación espectacular de la ópera: Gloria a Egipto, la marcha en 3'04": https://www.youtube.com/watch?v=4fba_2RKuV4.

Musicograma: http://dl.dropbox.com/u/3931168/Musilinux/A1_23_Musicograma_Aida.swf

La ópera: "Aida", nombre árabe femenino que significa "visitante" o "retorno", es una ópera en cuatro actos de Giuseppe Verdi y libreto de Antonio Ghislanzoni, basado en un guión escrito por el egiptólogo francés Auguste Mariette. Aida fue estrenada en el Teatro de la Ópera Khedivial en El Cairo el 24 de diciembre de 1871.
Ismail Pasha, Jedive de Egipto, encargó a Verdi escribiera la ópera para representar en enero de 1871, pagándole 150.000 francos, pero el estreno se retrasó a causa de la guerra franco-prusiana. Contrariamente a la creencia popular, la ópera no fue escrita para celebrar la apertura del Canal de Suez en 1869, ni la de los Khedivial Casa de la Ópera (que abrió sus puertas con Rigoletto de Verdi) en el mismo año. Verdi creó una obra espectacular, de gran despliegue escénico (grandes coros y escenas, efectos especiales). La representación, el vestuario, los accesorios, el escenario se prestan para hacer algo grandioso.

Argumento: Aída, una princesa etíope, es capturada y llevada a Egipto como esclava. Un comandante militar, Radamés, lucha entre su amor por ella y su lealtad al Faraón. Para complicar la historia aún más, Radamés es objeto del amor de la hija del Faraón, Amneris, aunque él no corresponde a sus sentimientos.
Acto II: En la Plaza de Tebas, frente al palacio real. Todo el pueblo, con el faraón y la corte al frente, se ha reunido para recibir al ejército victorioso. Las tropas egipcias, con Radamés como figura, desfilan portando estandartes, trofeos de guerra y muchos prisioneros, al son de la marcha triunfal, después del himno "Gloria a Egipto, a Isis". El Faraón decreta que, en este día de triunfo, Radamés tenga cualquier cosa que desee. Los cautivos etíopes son detenidos y Amonasro, su rey, aparece entre ellos. Aida inmediatamente se acerca a su padre, pero los egipcios desconocen sus verdaderas identidades, salvo que son padre e hija. Amonasro declara que el rey de Etiopía (él mismo) ha sido asesinado en la batalla. Aida, Amonasro, y los etíopes capturados suplican misericordia al Faraón. Radamés acepta, como recompensa del rey, salvar la vida de los prisioneros y ponerlos en libertad. El Faraón nombra a Radamés su sucesor y Aida y Amonasro queden como rehenes para asegurarse que los etíopes no vengarán su derrota.

Muchos más datos en: http://es.wikipedia.org/wiki/Aida.

Entre Verdi y Beethoven hay una enorme similitud: equilibrio entre forma y contenido, su uso comedido de los medios de expresión, ninguna concesión al sentimentalismo. Igualmente creo que existen paralelismos en su carácter: honestidad, aun al precio de crearse enemigos; reconocimiento, sin abdicar sus orígenes humildes; sentido crítico de la sociedad, amor por la naturaleza, profunda religiosidad, y finalmente, colocar al hombre, con sus grandezas y sus miserias, en el centro del universo (…). Pero yo admiro a Verdi por algo más. Yo creo que su grandeza no se basa en su uso de la melodía (creo que ahí Bellini le superó), ni en su habilidad para crear personajes de carne y hueso (pienso en Violetta o en Rigoletto), ni en haber sido el catalizador del sentir del pueblo italiano, que llegó a convertir las letras de su apellido en el resumen de todo un movimiento político (Vittorio Emmanuele Re DItalia), sino que su grandeza estriba en algo mucho más humano... (Jesús López Cobos)”.
Sobre Verdi y toda su obra, vale la pena: VERDI PER TUTTI versión final.



cpe122. MINUETO. Boccherini. Italia. 1775. Mdt. G. Clás.Instr.

Sonidos en DO, mejor para TamTamMini: do’ si do’re’do’, do mi sol sol fa fa, fa mi fa sol fa la re fa fa mi mi, do’ si la sol# sol# sol#...

Video precioso de sonido con partitura en LA y laincluída: http://www.youtube.com/watch?v=tootih5nHlg. Y http://violinsheetmusic.org/classical/b/boccherini/. Descargar partitura fácil en SOL, escribiendo en el buscador: minuetoboccherini.

Quinteto, opus 13 nº 5 de Boccherini. Compositor italiano conocido por sus obras de música de cámara y por haber sido uno de los primeros grandes virtuosos del violonchelo. Nació en Lucca y estudió primero en su ciudad y luego en Roma. Formó parte de la orquesta del compositor italiano Giovanni Battista Sammartini durante un corto periodo de tiempo. Más tarde trabajó como compositor en las cortes de España y Prusia. En 1769 se estableció en Madrid como “compositore e virtuoso di camera” de don Luis, infante de España. La mayor parte de sus más de 350 obras son tríos, cuartetos y quintetos para cuerda, y están marcadas por la elegancia y el refinamiento del estilo postbarroco que dominaba en su tiempo.
El violonchelo es el instrumento principal en muchas de sus composiciones. Entre todos sus quintetos, el que está en la tonalidad de mi mayor (opus 13 nº 5; también numerado como opus 11), es famoso por su minué…

Boccherini murió en Madrid en la mayor miseria pues, protegido inicialmente por el infante Luis, a la muerte de éste no había conseguido el favor de Carlos IV y paulatinamente había ido deteriorándose su situación material. http://www.epdlp.com/compclasico.php?id=961.
Mucha más información sobre el autor en: http://adamar.org/ivepoca/node/434


cpe123. PEQUEÑA SERENATA NOCTURNA. Mozart. Austria. 1788. AfT. G. Instrum.


La imagen está en: nos-comunicamos.com.ar

Sonidos: sol re sol re sol re sol si re’, do’ la do’ la do’ la fa# la re, sol sol si la sol sol fa# fa#, la do’ fa# la sol sol…
Partitura y audio para tocar con instrumento: http://www.wix.com/mariajesusmusica/taller3-mozart. Partitura sencilla para un instrumento: http://www.el-atril.com/partituras/miscelanea/nocturnad.pdf.

Sólo sonido pero mejor, más lenta, en SOL: http://www.youtube.com/watch?v=YofUPSyCrwo. Preciosa interpretación vocal de Carmen a Capella: http://www.youtube.com/watch?v=LdeMYLuxqRQ&feature=related. En mp3, todo el primer movimiento: http://www.goear.com/listen/cb31f95/pequena-serenata-nocturna-mozart.
Presentación para acompañar la música con fotos de Salzburgo y otros lugares de los Alpes. Descargarla de: https://vitanoblepowerpoints.files.wordpress.com/.../una-pequec3b1a-ser....
Cantidad de recursos sobre Mozart, de pago: http://www.mozarteffect.com/.

Para mí una pieza encantadora de un compositor cautivador, como quizá nunca hubo otro. La popularidad y accesibilidad de esta composición es motivo de que sea usada frecuentemente en avisos de televisión (en un episodio de Los Simpson, el primer movimiento es cantado con palabras relacionadas con frijoles y flatulencias), películas, televisión y videojuegos. A Ana Frank le encantaba escuchar esta composición.
El primer movimiento se denomina Allegro, alegre, animado. Tiene varias partes. La que habitualmente podemos tocar con los niños, es la 1ª. Luego la retoma en otra tonalidad, vuelve a lo primero, recapitula…

Historia de Mozart en verso para niños
Esta es la historia de un genio - que en el pasado milenio
hacía brillar el sol - con su do re mi fa sol.
Fue Mozart un bebé tierno - que llegó al mundo en invierno
y cuenta quien allí estaba - que en vez de llorar, cantaba.
Mientras los niños de al lado - jugaban a ser soldados
con espadas diminutas, - él movía la batuta.
Con seis años, el pispajo,- iba ya de arriba abajo
tocando, ¡vaya trajín!,- el piano y el violín.
El éxito era rotundo: - ¡le aplaudía todo el mundo!
y dejaba boquiabierto - al que oía su concierto.
Era Amadeus menudo,- muy gracioso y narigudo,
aprendía muy deprisa - ¡y todo le daba risa!
Nannerl llamaba bufón - al niño alegre y burlón:
"Este hermanito me asombra: ¡se ríe hasta de su sombra!"
Como el niño concertista - era guasón y bromista,
tocaba con la nariz:¡tocando era tan feliz...!
Además de muy simpático, - era un genial matemático,
un infante muy brillante - con memoria de elefante.
Cumplidos los ocho años,- aunque nos parezca extraño,
Mozart compuso un buen día - su primera sinfonía.
Dentro de su cocorota - bailaban cientos de notas
y formaban todas ellas - las melodías más bellas.
Ya daba la serenata - con sus óperas, sonatas,
sinfonías y cuartetos: ¡era un artista completo!
Después de muchas andanzas - se enamoró de Constanza.
Juntos pasaron la vida, - pobre, pero divertida.
Amadeus con maestría - componía noche y día,
una música excelente - que fascinaba a la gente.
Su existencia musical - tuvo un oscuro final,
pues murió de modo extraño - con solo treinta y seis años.
Aunque Mozart, a su modo,- no se fue nunca del todo:
está aquí y todo lo llena - cuando su música suena.
Su música, ¡qué delicia!, - mima, envuelve y acaricia,
se cuela directa al centro - y hace cosquillas por dentro.
Carmen Gil: De buena tinta, Lecturas 4º de Santillana


cpe124. POMPA Y CIRCUNSTANCIAS. Edward Elgar. Gr Bretaña. 1901. AfT. G. Instrum.


Sonidos en DO: do’ si do’ re’ la sol fa mi fa sol re, mi fa# sol la re’ sol do’ si la sol…
Partitura en DO, video con posiciones de flauta y audio de acompañam(introduc): wix.com/miprofedemusica/pompaycircunstancia. Partitura en DO para instrumento y placas y audio completo: wix.com/musicameruelo/pompa.

Video. Por la Orquesta infantil de Caracas en SOL, el tema más conocido aparece en 0'50": http://www.youtube.com/watch?v=l7qgc1QcnzM&NR=1. Otro fragmento en dibujos animados, Fantasía 2000, con el Pato Donald y el Arca de Noe: https://www.youtube.com/watch?v=qEeZtjQYJBM!.

Pompa y circunstancias op.39, es una serie de cinco marchas para orquesta, compuesta por el compositor y director de orquesta inglés, Edward Elgar (1857-1934). La obra no tiene letra, es instrumental. Pero Elgar se preocupó de dejar bien establecida cuál era su intención al componerla:
El título está tomado del acto III, escena III de la obra de Shakespeare, Otelo:
Adiós al relincho del corcel de batalla,- al tambor que conmueve el espíritu,
al pífano que perfora los oídos,- a la bandera real y todas sus cualidades,
orgullo, pompa y circunstancia de la gloriosa guerra”

En el mismo sentido, Elgar insertó como lema para el conjunto de marchas unos versos de Lord Table de su poema La Marcha de la Gloria:
Como una música orgullosa que atrae a los hombres a morir
locamente en las lanzas, en éxtasis marcial,
a medida que penetra el cielo en todas sus venas
y el hierro en sus manos,- oigo la Nación en marcha,
bajo su estandarte, como el ala de un águila;
sobre el escudo y sus defensas,
las banderas de mi fe en un alegre andar;
en marcha a la victoria con el resonar solemne,
con el culto y la conquista, y la voz de miles de hombres.

Esa ingenua suposición de un espectacular y espléndido boato militar - "Pompa" - no tiene ninguna conexión con la monotonía y el terror - "circunstancia" - de la guerra real. Las cuatro primeras marchas fueron escritas antes de los acontecimientos de la Primera Guerra Mundial que rompieron esa visión gloriosa, y los estilos en que se desarrollaron las guerras echaron por tierra el falso romance de la batalla que proclamaba la canción. (Extractado de http://en.wikipedia.org/wiki/Pomp_and_Circumstance_Marches

Hay que saber apreciar la hermosura de la melodía pero sin olvidar a los jóvenes que mueren, las familias que lloran, las mujeres y niños destrozados, las viviendas destruídas, los vencedores sojuzgando. Realmente los ingleses usaron la melodía durante años para animar a los ejércitos de su Imperio. Elgar nos intenta decir con su música –su intención es muy clara- que debemos enviar a todos nuestros jóvenes a morir en la batalla por la gloria del Imperio.

La más conocidas de todas las marchas, es sin duda la marcha nº 1, y generalmente, el título "Pompa y circunstancia", se refiere exclusivamente a ella. Extraordinariamente marchosa y popular. Fue la primera y única vez en la historia de los Promenade Concerts que, a una primera interpretación de la orquesta, se le concediera un doble bis".
En la grabación de 1931, inaugurando los estudios de Abbey Road de EMI en Londres, el director de orquesta fue el propio compositor. Antes de comenzar se dirige a los músicos y les dice: "Buenos días, señores. Encantado de estar con ustedes. Hoy tenemos un programa muy ligero. Por favor, toquen esta melodía como si no la hubiesen escuchado nunca". http://flautamateoaleman.blogspot.com/2009/10/pompa-y-circunstancia-otra-partitura.html


cpe125. PRELUDIO. Fern Sors y Yupanqui. Esp-Arg. 1800s. eva. M/G. Clás. Instrum.


Foto en: cancioneros.com

Introduc. sobre Sors y San Martín e interpretación –ésta a partir del minuto 7: http://www.youtube.com/watch?v=vFh-MYElQxs.

Bien joven, cuando a Fernando Sors el abuelo lo había introducido en la carrera militar, se enamoró de la música y abandonó la carrera. Junto a la ópera, su padre también le orientó hacia la guitarra cuando, por entonces, era poco más que un instrumento tocado en tabernas, tenido por inferior a los instrumentos de la orquesta. Al morir su padre en 1789 su madre no pudo seguir financiando sus estudios y el abad de Montserrat, Joseph Arredondo se ofreció a tomar al niño para estudiar gratuitamente en la Escolanía del Monasterio de Montserrat, próximo a Barcelona. El estudio allí giraba en torno de la música.
En 1808, cuando Napoleón Bonaparte invadió España, pasó a escribir música nacionalista para la guitarra, acompañada a menudo por líricas patrióticas. Después de la derrota del ejército español, Sor aceptó un puesto administrativo en el gobierno de ocupación, bajo la monarquía de José Bonaparte. Fue Prefecto de Policía en Málaga en cuya catedral hay expuestas algunas de sus obras. Tras la expulsión de los franceses en 1813, Sor y muchos otros artistas, aristócratas e intelectuales más importantes de la época que simpatizaban con la monarquía de José Bonaparte abandonaron España por miedo a las represalias y por la estima que tenían a Francia por sus ideas avanzadas.
Comenzó a ganar renombre entre la comunidad artística parisiense por sus habilidades para la composición y por su capacidad para tocar la guitarra, e inició ocasionales viajes a través de Europa, obteniendo considerable fama y convirtiendo la guitarra en un instrumento de concierto.… En 1827 se asentó y decidió vivir el resto de su vida en París. Esto, debido en parte a su edad madura y en parte a su pérdida de mecenazgo en Rusia, tras la muerte de la zarina madre Isabel. Durante esta etapa madura compuso muchas de sus mejores obras.

Así dice Yupanqui: Fernando Sors habitó en París en 1790, y se quedó a vivir hasta que se fué para el silencio 30 años después. Era un hombre joven, alto, muy apuesto, además de extraordinario tocador de guitarra y muy buen profesor, lleno de bondad y de talento. Cuenta él, en sus cuadernos... una referencia, una vez en el año 1797, se le presentó un joven de 18 años:
- "Señor, soy un estudiante de guitarra muy irregular... pero me han llegado sus mentas y quisiera confiarme en usted los 40 días que voy a estar acá, tal vez no más. Tengo quehacer muy lejos de aquí, más allá de los mares.
- Puede usted venir dos veces por semana.
- Soy torpe y estoy nervioso delante de usted.
Sors le fijó un trabajo, un seminario de trabajos y apunto: 18 años moreno alto, un pequeño bigote.
- ¿Cuál es su nombre para apuntarlo?. 

- Soy argentino: José de San Martín.
El se llevó entre las notas que le obsequió para su viaje, este preludio en si menor que llamaba "La gota de agua!", porque tiene un fa# obsesivo. Que se toca para los estudiantes de guitarra. Cuando yo me enamoré de la guitarra y empecé a estudiar, también lo toqué y después pasaron muchos años, cuando ya los lobos me habían dormido los talones, que me enteré de esta circunstancia. A mí me sirvió de mucho, me ayudó: en momentos de alta pobreza, antes que en París empezara yo a recibir un pequeño favor del público, que luego fue más grande, gracias a una tal Edit Piaff, que me presentó al público en 4 conciertos. Mis amigos del hotel, que debían como yo el hotel, estudiantes de Venezuela, de Buenos Aires, Uruguay, Bahía, tocamos este preludio, que les alegraba el espíritu, cuando la novia no escribía, el papá no giraba... me decían: tócanos "el arregador": así le llamaban porque nos arreglaba el alma. Algo de eso le habrá pasado también al prócer, del que se necesita un alto silencio para nombrarlo: José de San Martín. El tema es muy sencillo.



cpe126. PRIMAVERA, 4 estac. Vivaldi. 1723. Italia. Eva. G. Clás. Instrum


Pintura de Giuseppe Arcimboldo en: agridulce.com.mx

Prodigiosa, muy atractiva a mi entender, la versión a pura voz –sin ningún instrumento- de Carmen a Capella: http://www.youtube.com/watch?v=Uxs5O6hMBvg. El grupo tiene varias interpretaciones en youtube: https://www.youtube.com/user/carmelacapella
Partitura: , muy fácil para piano, https://www.youtube.com/watch?v=Lu3hC4-k9Gc. Partitura para flauta, pandero y placas video y audio: https://josesaporta.wordpress.com/category/ partituras/page/76/. Partitura simplificada con sonidos en letra: http://presencias.net/indpdm.html?http://presencias.net/estudi/knopre.html (abajo en la 1a lista).

Webquest sobre las 4 estaciones tareas, recursos, proceso, evaluación…: http://www.juntadeandalucia.es/averroes/recursos_informaticos/andared02/webquests_musicales/cuatro_estaciones/index.htm. Ver también: http://www.educared.net/Profesoresinnovadores/experiencias/exp.asp?id=74.
De Vivaldi a Queen, pasando por Piazzola y los Beatles: "The Music Man" Argentino. Su más exitosa, discutida y novedosa iniciativa fue la creación de Conciertos Didácticos con multimedia y realizados con distintas orquestas sinfónicas y conjuntos en el país, para la difusión de la música clásica entre todo tipo de audiencias. http://tedxtalks.ted.com/video/TEDxBuenosAires-2011-Marcelo-Ar.
INVIERNO. también de las 4 estaciones, en versión rítmica moderna. Partitura con play-back (melodía y acompañamiento): http://www.wix.com/musicameruelo/invierno.

En “La primavera” de Vivaldi, uno de los primeros ejemplos de música descriptiva, el compositor describe diferentes escenas campestres. En el segundo movimiento de este concerto grosso Vivaldi sugiere los ladridos de un perro con notas cortas y repetidas de las cuerdas.



cpe127 . RHAPSODY IN BLUE. George Gershwin. USA. 1924. Eva. G. folkUSA. instrum.


Dibujo en: blogs.educared.org

https://www.youtube.com/watch?v=8rR367GrFhk.

Imprescindible ver las sugerencias y recursos que ofrece: http://www.educacontic.es/blog/entre-dos-mundos-musicales-rhapsody-blue.

Muy interesante la biografía en: http://es.wikipedia.org/wiki/George_Gershwin.

Una de las 8 piezas musicales que conforman Fantasia 2000 es del estadounidense George Gershwin. La obra de este compositor que inspiró los dibujos es Rhapsody in Blue, episodio ambientado en la Nueva York de los años 30, una de las épocas más esplendorosas del jazz. Gershwin supo integrar habilidosamente algunos elementos de este género musical (trinos y glissandi del clarinete, trompeta con sordina, swing, ritmos sincopados, notas de blues, etc.) en la música clásica, transcribiendo para orquesta sinfónica una pieza que inicialmente había sido pensada para dos pianos y luego arreglada para piano y big band.
El mismo título nos sugiere esa fusión entre los dos mundos musicales, hasta el momento bien separados: la rapsodia es una composición típica del romanticismo en la que el flujo de la música, y de las emociones que la estética de la época ligaba a ella, brotaba de manera libre y continua; por otro lado, Blue, literalmente azul, termino empleado para definir, además del color, la tristeza o la nostalgia, en este contexto se refiere claramente al blues, género musical nacido de los cantos de trabajo y espirituales de los afroamericanos, en los tiempos de su esclavitud, y forma musical del jazz y posteriormente del rock ‘n’ roll.

Con los dibujos realizados bajo la supervisión de Al Hirschfeld, este fragmento del largometraje de Disney nos muestra un día cualquiera en Manhattan y los sueños de algunos de sus habitantes.
En realidad, más que de un dibujo se trata de un stop motion, hecho con plastilina (técnica consistente en moldear este material tomando fotogramas tras cada pequeña modificación para aparentar el movimiento). La autora, irlandesa, se llama Sheila Graber. Las imágenes cuentan una historia que se aleja un poquito del programa original de este poema sinfónico, que es el siguiente: en un cementerio, a las doce de la noche, la muerte despierta a los difuntos al son de su violín y les hace danzar frenéticamente hasta que, al llegar la luz del día, éstos vuelven aprisa a sus tumbas.- Massimo Penesi.
http://www.educacionmusical.es/2009/09/26/rhapsody-in-blue/



cpe128. SINF DE LOS JUGUETES. Leopoldo Mozart. ?. Aft. T. Clás. Instrum.


La imagen de: xn-dondevamoshoy-dub.com

La partitura orquestal completa. http://imslp.info/files/imglnks/usimg/e/e1/IMSLP43993-PMLP94631-ae001a.pdf. Se podría seleccionar alguna parte. La voz cantante la suele llevar el primer violín, pero también están las intervenciones de los juguetes.

Video: http://www.youtube.com/watch?v=qDnrL46wY44.

Webquest, con datos, introduc: http://www.webquest.es/wq/la-sinfon-de-los-juguetes. Allí encontrarás: actividades a realizar, proceso, recursos (video, información, biografía del autor, la sinfonía, la orquesta), evaluación y conclusión.

¿Sinfonía de los juguetes? Sí, has leído bien. Aquí conocerás una obra musical en la que los juguetes son protagonistas junto con otros instrumentos más habituales. Son numerosos los educadores que la emplean para iniciar a los niños en la música clásica, con la posibilidad de que participen en la obra con instrumentos de juguete, como trompetas o tambores.

El autor. Durante un tiempo se creyó que era de Haydn. La verificación de la autoría de una partitura musical cuenta con menos apoyos técnicos: los rayos X y el carbono 14 sirven de bien poco a los investigadores que quieren averiguar si esa obra que se ha atribuido durante mucho tiempo, a veces siglos, a un compositor fue realmente escrita por él…
Sucede también con el famosísimo Mozart, hijo de Leopoldo, éste un gran músico que, cuando descubrió el talento de sus 2 hijos –Ana María y Leopoldo- disminuyó su actividad y se dedicó a su educación.
Pese a que los estudios sobre Mozart hijo comenzaron poco después de su muerte, y que su popularidad no ha decaído ni un momento, la confusión afecta al menos a dos docenas de sus obras. Hoy se sabe que unas cuantas son de autores que figuran en un lugar muy modesto en la historia de la música, pero otras fueron escritas en realidad... por su padre Leopold.

Payasos en: gatochapin.typepad.com

Moverse por el catálogo de Haydn es como adentrarse en un laberinto. Un laberinto en el que se perdía su propio autor. En dos ocasiones, una con poco más de treinta años, y otra ya en la vejez, Haydn intentó ordenar y enumerar sus creaciones. Difícil empeño. Tanto que al comienzo del último de esos catálogos asegura que recoge en él «las obras que recuerdo aproximadamente haber compuesto entre mis 18 y mis 73 años». No es extraño por ello que haya colecciones completas de 'sus' obras que en realidad ha podido comprobarse que no eran suyas. Es lo que sucede con los seis cuartetos op. 3 (Hob. III, 13 a 18), que ahora se atribuyen ya sin mayor duda a Romanus Hoffstetter.

Hace algo menos de medio siglo se descubrió que una de sus partituras más conocidas, la 'Sinfonía de los juguetes', había sido escrita en realidad por Leopold Mozart. (Aunque hay quienes dicen que tampoco es de él, que la escribió un monje. Bueno, sea quien sea, disfrútenla)
http://mirthaluzfacundo.blogspot.com/2009/07/autoria-de-algunas-partituras.html.


cpe129. SINF NUEVO MUNDO. 4º mov. Dvorak. 1893. Mdt. G. Clás. Instr.


Sonidos del 4° mov: Mi fa# sol fa# mi mi, mi re si re mi, mi mi fa# sol fa# mi mi, mi sol mi sol si si mi. Si si do’ re’ do’ si si, si si la fa# la si… Partitura, audio, video y datos del Largo:
http://martinamore9.wix.com/nuevo-mundo.

Videos por la Orquesta Filarmónica de Dublín –muy bueno el sonido, mala la visión: http://www.youtube.com/watch?v=yctfXIqugXc&feature=related. Por la Orquesta Filarmónica de Viena dirigida por Herbert von Karajan: http://www.youtube.com/watch?v=82trROnaTC8.

En América, ejerciendo Dvorak sus actividades en el Conservatorio de Nueva York, se enfrenta con experiencias nuevas que van a dejar una muy visible huella en la obra que cierra el ciclo sinfónico del maestro checo. La Novena Sinfonía es la gran obra americana de Dvorak, siendo un completo éxito desde su primera audición… Aunque conserva un carácter personal bien reconocible en algunos temas, en la armonía y en la orquestación, Dvorak adapta en ella con notable homogeneidad elementos melódicos norteamericanos — más bien una imitación de los mismos. Emplea fórmulas típicas como el ritmo punteado, las síncopas y ciertos modos (pentatónicos y menores naturales) y la coloración orquestal es también del todo moderna. Ciertamente, esta sinfonía nunca hubiera sido escrita como realmente es, si Dvorak no hubiese estado en EEUU, aunque podemos afirmar que la obra pertenece, a partes iguales, al Nuevo Mundo y a la Europa Central. Con ello, la Sinfonía del Nuevo Mundo es, con razón, la Sinfonía del Mundo Entero. Su justificada popularidad ha cometido, ciertamente, el agravio de ocultar algunas otras sinfonías de Dvorak, especialmente la Séptima que, a juicio de muchos especialistas, es la joya del legado sinfónico del compositor. Finalmente comentar que la obra fue publicada por Simrock como la nº5 y la corrección de pruebas fue efectuada por Brahms. Como guía para la audición, os pongo los enlaces a la versión de Herbert von Karajan dirigiendo a la Orquesta Filarmónica de Viena. La interpretación es firme y poderosa — y el maestro no duda en añadir más instrumentos de los indicados en la partitura para tener mayor empaque sonoro — aunque conceptualmente muy lejos de las referencias de los directores de la escuela checa (Ancerl, Talich, Kubelik…)


cpe130. TRISTE Nº 1, guitarra. Ed Fabini. 1903. Uruguay. Eva. Clás. Instrum.


El sello de correos en: sellosmundo.com

Interpretado por Cesar Amaro, en guitarra: http://www.youtube.com/watch?v=sS6umplTv5E

Las melodías de los Tristes de Eduardo Fabini (Mataojo de Solís 1882 - Montevideo 1950) reflejan la frescura de los sonidos del campo que vio nacer al compositor y los arpegios melancólicos de la guitarra criolla. La versión original de esta obra fue compuesta para guitarra, hallándose también otra versión para violín y piano.
Durante su estadía en Bruselas, entre 1902 y 1903, usufructuando una beca para realizar estudios musicales en el Real Conservatorio de esta ciudad, Fabini compuso "Flores del Campo" para piano y tres "Tristes", de los que existen versiones para piano, para guitarra y para orquesta. La melodía descriptiva e impresionista está inspirada en la forma folclórica vocal-instrumental del "Triste" o "Estilo" perteneciente al cacionero criollo. El Triste nº 2 fue estrenado en la ciudad de Rosario de Santa Fe (Argentina) en 1936 por el pianista uruguayo Hugo Balzo, intérprete preferido por Fabini para esta obra.
(Extractado de: http://www.uruguayeduca.edu.uy/Portal.Base/Web/VerContenido.aspx?GUID=c56a7142-f8a8-45c4-b6ab-fb122f0f6e33&ID=202224&FMT=223



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REFEREN
TÍTULO Y DETALLES
AUT O INT
PAÍS
AÑO
FAC
EDA
GRUPO
AdT103
Los patinadores
Walteufel
París
1882
AdT
M/G
Instrum
AdT111
2º mov lªp-Sinf N Mundo
A Dvorak
Chequia
1893
Adt
M/G
Instrum
AdT114
La dona e móbile
Giuseppe Verdi
Italia
1851
AdT
G
Sentim
aft106
9ª sinf-Escucha hermano
Beethov-Rios
Alem-Esp
1969
Aft
T
Sentim
Aft210
Adeste fideles
Anónimo
Portugal
1640
Aft
G
Navidad
Bca208
Bach Africa-Sankanda
Lambaren
Gabón
1993
Eva
G
Mezcla
Eqp110
Estrellita - Popular
MM Ponce
México
1912
MdT
G
Sentim
Eqp113
Marcha cnel Bogey
Puente río Kwai
G Bretaña
1014
Mdt
M/G
Marcial
eqp119
La espigadora
Jac Guerrero
España
1930
AfT
G
trabajo
eqp119b
Granada 1ª y 2ª p
Agustín Lara
México
1932
AfT
Gr
N País
FdT112a
Estrellita, dónde estás
Anónimo
Francia
1761
Fdt
T
Canon Yo
FdT210
Din don dan
Mozart
Austria
?
Fdt
M
canon
Fdt219b
Minueto
Mozart
Austria
1783
fdt
T
Instrum
FdT222
En un merc persa
Alb Ketelbey
Inglaterra
1920
Fdt
G
Instrum
FdT224
Canción de Cuna
Brahms
Alemania
1868
Aft
M/G
Nana
fdt302b
Barcarola-fragmento
Offenbach
Francia
1881
Fdt
M/G
Aprend
Gdl102
Va pensiero - Nabucco
Verdi
Italia
1842
Adt
G
clásica
Gdl109
Marcha de S Lorenzo
C A Silva
Uruguay
1902
Adt
M/G
Marcial
Mdm104
Guan Yin - Manos misericordia
Tradicion
China
¿
Eva
G
Danza
Mdm111
Para soñar-China
Anónimo
China
Tradi
Eva
G
Instrum
Vva128
Expo Shangai- Acto final
¿
China
2011
Eva
G
Instrum
vva204
Ballet de mesa
Charlot
Mundo
1925
AdT
T
Humor
vva209
Duo de los gatos
Rossini
Italia
?
EVA
T?
Humor
vva210
Patética y Claro de Luna
Mr Bean- Beeth
Gr Breta
1979
EVA
T
Humor
vva211
Danza hungara nº  5
Brahms
Alemania
1940
EVA
T
Humor
Vva220
Mozart en la oficina
¿
¿
2009
Eva
M/G
Humor
Vva222
Pequeña Musica del mundo
G MoCarta
Polonia
2010
Eva
M/G
humor
vva225
Quinta sinfonía en salsa
B-Jonner
Varios
2009
AdT
G
instrum
Vva226
Quinta sinf-y mambo
Miyawaga
Japón
2009
Eva
G
instrum
vva231
Trikkanon
Mozart
Austria
?
EVA
M/G
Canon









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